| des1biga |

Pataniscas Satânicas!

2010-09-22T01:37:00.000+01:00

Afinal é este!!!!

Pataniscas Satânicas

Tenho dito...

Adeus, ó vaitembóra!

2010-08-29T20:32:00.003+01:00

E pronto!

Estou farto!

Estou farto de ser ignorado, estou farto de não ter comentários e sobretudo estou farto de ser a única pessoa a escrever para um blog que supostamente não seria eu a suportar sozinho!

Quando me pediram para escrever no blog para "aquilo não ficar morto" eu acedi com a condição de não ser eu o único!

Não que não tenha sido divertido, acho que até escrevi umas coisas com piada, mas já não escrevo mais para mais ninguém!

Agora vou passar a escrever para mim, sobre o que me apetecer!

Podem encontrar-me no novo blog Os Ladrões do Fogo, onde estarei a escrever sobre tudo o que me passar pela real gana, com mais outras duas pessoas doidas.

Bem hajam!

Nome para Blog!

2010-06-26T13:07:00.002+01:00

Este é um post que vou iniciar para discutir as possibilidades para o nome de um novo Blog!

Como é que se escreve um nome para um blog?

Não pode ser demasiado grande, senão ninguém o fixa. Não pode ser demasiado parvo senão ninguém o leva minimamente a sério. Não pode ser demasiado pretensioso senão toda a gente acha que somos pretensiosos (e essa é uma consideração que queremos evitar tanto tempo quanto for possível).

Como inventar um nome para um blog?

Eu pessoalmente gosto de Pataniscas Satânicas, mas eu sou enviesado...

Outro que surgiu, à laia de nome de pasquim, foi "O Onanista Insaciável".

Deixo-o à vossa consideração.

btw, o número de respostas que este post tiver é BRUTALMENTE significativo!!!!!!!!

TAN TAN TAAAAN

David Caruso

2010-05-12T21:04:00.002+01:00

Há razões pelas quais eu não vejo televisão.

De vez em quando esqueço-me delas, vejo televisão e relembro-me muito depressa.

Uma delas é o CSI: Miami.

Podia passar aqui uma meia hora a dizer mal da série, dos actores, da escrita... mas acho que este vídeo diz tudo o que eu quero dizer:

Nine

2010-05-09T20:42:00.004+01:00

Ora o Nine...

É um musical, e eu até gosto de musicais!

E gosto muito do Daniel Day-Lewis, e da Judi Dench, e da Kate Hudson, e da Penélope Cruz, e até tem a Sophia Loren e uma gaja qualquer chamada Stacy Ferguson, que me dizem que canta numa banda de hip-hop qualquer...

E o filme tem imensa pedalada, umas coreografias porreiras, personagens interessantes e até mulheres em trajos menores!

Então porque é que eu não gostei deste filme?

Se calhar "não gostar" é demasiado forte... Porque é que este filme me desiludiu? é uma melhor pergunta.

Porque dado isto tudo (Musical cheio de energia com o Daniel Day-Lewis, coreografias, personagens interessantes e mulheres semi-nuas) eu esperava muito mais!

As músicas não ficam no ouvido, as letras não são particularmente engraçadas, acabando todas por ser só descritivas (as personagens cantam "oh meu deus aconteceu isto e agora vai acontecer aquilo").

As personagens, por muito boas que sejam (e algumas são extremamente interessantes) simplesmente não são desenvolvidas.

O Daniel Day-Lewis faz uma boa interpretação, o que no caso do Daniel Day-Lewis é uma desilusão porque do Daniel Day-Lewis esperam-se interpretações absolutamente fantásticas.
Actrizes como a Judi Dench, a Penélope Cruz, a Nicole Kidman, são completamente desaproveitadas, tendo pouquíssimo tempo em cena.

Não me interpretem mal... o filme é giro! É uma confusão de ideias e energia com pouca forma e contexto, mas é um filme giro...

PS: se se estão a interrogar porque é que o filme se chama Nine, é uma referência ao filme do Fellini, 8½.

Up In The Air

2010-05-04T20:28:00.004+01:00

Eu vi este filme quando ele estreou, com dois amigos meus (Hey Cláudia! Hey Ricardo!), mas por força das circunstâncias (já não me lembro bem quais foram) não escrevi nada na altura, apesar de querer.

Voltei a vê-lo ontem, e por isso...

Up in the Air foi realizado por Jason Reitman, e esteve nomeado para 6 Óscares, entre os quais Melhor Filme, Melhor Realizador, e Melhor Argumento Adaptado.
Poderão lembrar-se de Jason Reitman, porque foi ele que realizou o Juno (2007) e o Thank you for Smoking (2005).
O Up in the Air tem bastante destes dois filmes, se soubermos onde procurar, mas já lá vamos.

Ryan Bingham (George Clooney numa das suas melhores interpretações, o que não é dizer espectacularmente muito, mas pronto...) é um Conselheiro de Transição Ocupacional (é contratado para despedir pessoas), um Orador Motivacional sobre como cortar todas as ligações que nos prendem, e passa grande parte da sua vida em aviões e aeroportos.
O seu maior interesse é acumular Milhas, e o seu maior objectivo é ser a 7ª pessoa a atingir dez milhões de milhas.
Alex (Vera Farmiga) é o seu equivalente feminino e interesse (superficialmente) romântico.
Natalie (Anna Kendrick) é a novata no negócio, que vai aprender uma coisa ou duas.

Há desventuras amorosas, piadas, sexo, muitos despedimentos.

Fim.

Só que não!!!!

É daqueles filmes que se acabasse a 2/3 era uma comédia romântica banal. Nem bem, nem mal feita, só banal.

Mas o filme continua.

É como se de facto fosse uma comédia romântica, mas o realizador decidisse manter as câmaras ligadas mais algum tempo só para ver o que é que acontecia.

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ATENÇÃO! Here be Spoilers!!!
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Ryan Bingham, o homem despegado apaixona-se a sério.

Numa total deconstrução daquilo que metade do filme passou a construir, vemos a personagem cínica a perceber lentamente que não pode realmente passar a vida sozinho.
Vêmo-lo a valorizar as pessoas e os momentos que fazem a vida realmente especial.

Só que por esta altura a comédia romântica já acabou, e à semelhança de outros filmes do Jason Reitman, esta transformação é mostrada sem lamechice, sem exageros. É extremamente subtil, bem narrada e absolutamente credível.

Um filme que parecia não ser nada mais do que banal, subitamente ganha toda uma nova camada de interpretação.

E isso é bom.

Fim

Só que não!!!!

Raios que este filme é bom!!!

Temos Ryan Bingham, ex-tubarão, recentemente transformado num homem novo pelo poder do amor, a ser completamente destruído, a ver as suas esperanças recém-nascidas a morrerem friamente.
A mulher que ele descobriu que amava não o ama a ele. Atinge as dez milhões de milhas que queria, e no entanto esse sucesso só lhe mostra ainda mais quão vazia e desprovida de sentido era a sua vida até esse momento, de maneira que nem sequer pode voltar a ser o que era.

É uma progressão extremamente bem escrita e muito bem contada. Não damos por ela a aproximar-se, de tal maneira que eu passei a primeira metade do filme convencido que era uma comédia romântica banal.

Para além disto temos ainda:

-Sam Elliot e J.K. Simmons, em papéis curtos mas muito memoráveis.
-uma banda sonora excelente, muito à maneira de Juno.
-cenários pornograficamente bonitos
-planos de câmara verdadeiramente belos e bem apanhados

Definitivamente um filme que vale a pena ver.

Por favor aguarde... Paginando...

2010-05-04T15:26:00.001+01:00

The Hurt Locker

2010-05-03T19:45:00.005+01:00

The Hurt Locker realizado por Kathryn Bigelow, ganhou recentemente o Óscar de Melhor Filme.

Notem que eu não dou grande importância aos Óscares. Percebo bem as políticas e influências e dinheiros por detrás da atribuição dos prémios, e sei que raramente têm a ver com o mérito intrínseco do filme.
O que dou importância é à importância que a maioria das pessoas dá aos óscares.
Ambas estas coisas são importantes de ter em mente ao analisar este filme: a política por detrás da atribuição dos Óscares e a importância que as pessoas dão aos Óscares.

Outra coisa importante a reter desde já para a interpretação deste filme é a citação que surge imediatamente no início do filme e que corre o risco de ser esquecida:

"The rush of battle is often a potent and lethal addiction, for war is a drug" - Chris Hedges

The Hurt Locker passa-se em Baghdad, em plena guerra do Iraque, e segue os últimos dias de comissão de três especialistas em minas e armadilhas do exército Americano.

Como a maioria dos filmes de guerra, a sua narrativa caracteriza-se pela descrição de vários episódios ou "aventuras" pontuais que estas personagens vão tendo, e a continuidade da história passa sobretudo pela evolução pessoal das personagens.

A personagem principal é o Sargento William James (Jeremy Renner), que surge para substituir o especialista em bombas que morre nos primeiros 5 minutos de filme.
Contrariamente ao seu antecedente, o Sargento William James é dado a impulsividade, bravado e a correr riscos, aspectos pouco expectáveis num desarmador de bombas.

A sua personalidade emocional e impulsiva vai entrar em choque com a dos seus dois colegas, o sargento JT Sanborn (Anthonie Mackie) e o especialista Owen Eldridge (Brian Geraghty), que só querem sair de Baghdad vivos, e deste conflito surge muita da tensão dramática do filme.

Ou, pelo menos, a tensão dramática que não deriva de desarmar bombas, que, pelo que me dizem, é bastante tenso.

De qualquer modo...

Cada personagem tem as suas idiossincrasias, os seus passados melhor ou pior explorados, há as cenas obrigatórias de bebedeira, o contacto com a criancinha local que inevitavelmente morre, o horror da guerra... nada que não tenhamos já visto em dezenas de outros filmes de guerra.

Correcção: nada que não tenhamos já visto mais bem feito em dezenas de outros filmes de guerra.

Não há nada de realmente espectacular acerca do filme. Nem a fotografia é particularmente bonita, nem as personagens são extremamente interessantes, nem há planos de câmara criativos, nem a edição chama à atenção, banda sonora não é memorável.
É um filme como os outros. Nem particularmente bom, nem particularmente mau.

Agora...

Para realmente analisar o filme, tenho de vos contar o fim, e como de costume, preferia não vos estragar o fim, e aplaudo quem quer que queira ver o filme sabendo o menos possível dele.

Dou-vos o trailer, e depois continuo.

Pronto, já viram?

Há spoilers à frente..

de certeza?

Não digam que não avisei.

Depois de muita tragédia, depois de ver muita gente morrer, depois de se ter pegado com os colegas (e inclusive ter feito com que um levasse um tiro) depois de ter partilhado pormenores da sua vida com os amigos, basicamente depois de ter experienciado o horror da guerra, o Sargento William James vai para casa.

Vêmo-lo num supermercado, a comprar cereais. Vêmo-lo em casa, a cozinhar com a mulher, a brincar com o filho. E depois ele diz assim:

Staff Sergeant William James: [Speaking to his son] You love playing with that. You love playing with all your stuffed animals. You love your Mommy, your Daddy. You love your pajamas. You love everything, don't ya? Yea. But you know what, buddy? As you get older... some of the things you love might not seem so special anymore. Like your Jack-in-a-Box. Maybe you'll realize it's just a piece of tin and a stuffed animal. And the older you get, the fewer things you really love. And by the time you get to my age, maybe it's only one or two things. With me, I think it's one.

E depois vêmo-lo a aterrar no Iraque, de volta a Baghdad, de volta a desarmar bombas.

Este homem, depois de viver os terrores e o pânico da guerra, volta a casa, e descobre que só a guerra é que é especial, e volta para ela.

Fim.

Esperem, o quê? Que é que se passou aqui?

Mas que raio!?

Então... mas... ele... e depois..?

Duas perguntas impõem-se:

1. Que raio é que significa este final?

2. Porque raio é que um filme mediano como este ganha o Óscar de Melhor Filme?

1 - Há duas interpretações que podem ser feitas deste fim.

Uma, baseando-nos na citação inicial do filme "... a guerra é uma droga." é a de que este ser humano foi tão brutalizado pela guerra, que não tem outro remédio senão voltar para ela porque é o único ambiente onde consegue funcionar.

Isto seria uma interpretação extremamente interessante a dar, na linha de grandes personagens como o Capitão Willard do Apocalypse Now Redux.

No entanto acho que esta interpretação não se aplica.
Isto porque a personagem não é demonstrada como brutalizada ou traumatizada ou doida. É apenas um homem normal, com uma família e uns defeitos e umas qualidades.
Depois, as cenas de regresso dele ao Iraque são mostradas como gloriosas e cheias de fixeza.

A segunda interpretação é a de que este fim mostra como a Guerra (por acaso a do Iraque) é uma coisa Fixe e Gloriosa, pela qual vale bem a pena prescindir da Casa da Família e dos Filhos.

Desta maneira acho que também se responde à pergunta número 2.

e mais....

2010-04-19T00:55:00.002+01:00

Pixels

2010-04-11T13:32:00.003+01:00

PIXELS by PATRICK JEAN.
Enviado por onemoreprod. - Ver os videos os mais originais da rede

Instructions

2010-04-11T13:32:00.001+01:00

TRANSGÉNICOS E SAÚDE

2010-04-10T16:19:00.002+01:00

E porque nunca é demais...

2010-04-08T01:06:00.002+01:00

Black Dynamite

2010-04-05T22:36:00.003+01:00

Não tenho a certeza do que isto é, mas parece-me fantástico!!!

Scott Pilgrim Vs. The World

2010-03-29T01:31:00.002+01:00

wtf...?

Não sei o que é, mas sei que quero ver!!!!

Avatar II

2010-03-24T00:12:00.001Z

How i Met Your Mother

2010-03-23T22:08:00.003Z

Eu de uma forma geral não escreveria acerca de séries, por várias razões:

1- porque não são o meu interesse principal.
2- porque não sendo o meu interesse principal não as vi o suficiente para as analisar a fundo.
3- acho que muito facilmente caem numa escrita facilitista e sem conteúdo.

Não estou a dizer que todas caem nisto, não estou a dizer que não há excepções (porque há, e muito boas excepções), mas mais que os filmes, as séries têm mais tendência a cair nisto.

Porquê?

Em primeiro lugar porque são para um público maior que o do cinema. Há mais gente a ver televisão do que gente a ir ao cinema. Por isso têm de se esforçar simultâneamente por agradar a mais gente e ser ofensivas para menos gente, o que não dá muita liberdade de escrita.

Segundo, porque são feitas para um público com uma capacidade de atenção cada vez menor. A geração MTV está a ter cada vez mais peso, e é uma geração habituada a videoclips de 3 minutos, muita cor e muito movimento, muito rápido. Mais que isso e perdem o interesse.
Isso condiciona a forma como uma série é escrita e realizada, porque tem de se adaptar ao seu público. O público que vai ao cinema sabe que vai para uma experiência de aproximadamente duas horas sem intervalos (o facto de haver de facto um intervalo na maioria dos filmes é imposto pelas salas de cinema, e não influencia a escrita do filme).
A série tem de ter uma mensagem clara e um conteúdo simples, que dê para ser mostrado em 20 a 50 minutos, ao passo que um filme tem tempo para mais profundidade. (mais uma vez reitero que estou a falar generalisticamente, porque há excepções nos dois casos).

Terceiro, porque a série tem de manter o seu público agarrado ao longo de vários episódios. Não é possível manter o suspense e a tensão durante tanto tempo sem que isso acabe por influenciar o conteúdo.
As séries estão de tal maneira presas a esse sistema, que acabam por viver só disso. As pessoas que vêem séries acabam por gostar mais da expectativa e da antecipação do que do conteúdo em si. Isto motiva aquele comentário que já ouvi várias vezes "gostava que a série não acabasse" (e não, não tinha a ver com o conteúdo que era muito interessante mas sim com o gosto da antecipação).

Quarto, e este é o aspecto mais importante, as pessoas querem mais do mesmo. As pessoas gostam de uma personagem, ou de uma história, ou de um cenário, e sentem-se confortáveis com ele. Não querem mudar. Se houver mudança indignam-se e deixam de ver a série. O que é perfeitamente natural, porque se aquilo que fez com que gostassem em primeiro lugar desaparece, obviamente que vão deixar de ver.
Isto motiva os escritores a fazerem mais e mais e mais do mesmo, para não perderem público. Necessariamente isto prejudica o conteúdo.

Dou como exemplo o Serviço de Urgência (E.R.) que foi uma série de que eu gostei muito. Tinha uma história interessante, personagens interessantes e credíveis, uma realização soberba uma montagem fantástica. Era uma história passada num hospital acerca de pessoas nesse hospital.
Aí pela quinta temporada, porque as pessoas queriam mais do mesmo, eles deram mais do mesmo. Acabou por se transformar numa telenovela que por acaso se passava num hospital, e deu origem a várias derivações disso, para todos os gostos.

Então porque é que estou a falar do How I Met Your Mother?

Acabei de ver a 1ª temporada, e esta série conseguiu surpreender-me pela qualidade da sua escrita.
É uma sitcom (comédia de situação, para os que não conhecem a origem do termo) centrada em 5 personagens algo estereotípicas, em vários estados de romance. O eterno romântico, o casal perfeito, a rapariga independente e o engatatão.
A série gira à volta das situações nas quais as personagens se encontram e se metem.
Até aqui tudo normal, nada de diferente de dezenas de outras séries.

A série começa por usar um artifício que eu nunca tinha visto aplicado a uma série, que é o facto de ser narrada por uma das personagens, em retrospectiva do que aconteceu. A personagem principal está a contar aos filhos as histórias que levaram a que ele conhecesse a mãe deles. Esta ferramenta é usada para abrir e fechar a maioria dos episódios, sem no entanto afectar a dinâmica habitual de uma sitcom, permitindo adicionalmente brincar com as continuidades temporais (ao explicar eventos que se passaram em alturas diferentes) e contar histórias de que o personagem principal não se lembra (o incidente do ananás).

Depois chamou-me a atenção pela qualidade das piadas, que são muito muito boas. Extremamente naturais e quando não o são a piada é o facto de não serem naturais. Na vida real as pessoas não fazem comentários espirituosos e cómicos o tempo todo, como se não fosse nada de especial. As personagens do How I Met Your Mother (a partir de agora referido como HIMYM) estão a dizer piadas, estão a tentar ter piada, sabem que estão a dizer piadas, riem-se das piadas uns dos outros!

Os actores são fantásticos. Josh Radnor interpreta Ted Mosby, o arquitecto romântico, Jason Segel interpreta Marshall, o advogado com coração de criança, Alyson Hannigan, interpreta Lily, a educadora de infância pervertida, Cobie Smulders interpreta Robin Sherbatsky, a mulher independente e forte, e o Neil Patrick Harris interpreta o Barney, que é... o Barney.

As personagens são credíveis (o Barney talvez não, mas todos nos gostávamos secretamente de ser o Barney), e é-lhes dada mais profundidade do que seria realmente necessário para a série funcionar.

E pronto, tudo isto já fazia uma série acima da média.

Mas!

Apercebi-me, algures a meio da série, que havia continuidade.

Ou seja: por detrás de todas as situações cómicas não relacionadas umas com as outras, estava a ser construída uma história com princípio meio e fim.
Sorrateiramente, estavam a ser deixados elementos, sementes, que começaram a coalescer numa história real.
Subitamente dei por mim a interessar-me realmente por estas personagens e pela sua história, quase mais do que pelas piadas (que são excelentes).

E isto foi feito de uma forma tão subtil, tão engenhosa, que esta história só se torna aparente durante o último terço da série.

Estou curioso e com medo das próximas temporadas. Será que a série vai cair no "mais do mesmo" ?

...

Ditas todas estas coisas...

São completamente irrelevantes.

Porque a série tem o Barney, e qualquer série com o Barney é uma série que eu veria.

Kick Ass

2010-03-14T21:17:00.002Z

Eu na altura vi o Wanted (2008).

Lembram-se do filme? Tretazinha de acção com a Angelina Jolie, sobre pessoas que curvavam balas e um argumento que tentava ser simultâneamente fixe e moralista?

Pois, eu também preferia não me lembrar.

A verdade é que na altura não falei no filme porque achei que mesmo dizer mal dele seria dar-lhe mais atenção do que ele merecia.

Na realidade o filme é baseado numa banda-desenhada de Mark Millar e JG Jones do mesmo nome que é tão boa quanto o filme é mau.

Enquanto que o filme conta a história de uma liga de assassinos determinados a lutar contra o mal e a manter a humanidade nos eixos matando pessoas escolhidas a dedo, a banda-desenhada é uma orgia auto-indulgente na qual os vilões tomaram conta do mundo e dominam com impunidade.

Tendo por base esta adaptação desastrosa para cinema, é com medo que vejo o trailer de outra grande obra de Millar: Kick Ass.

Apesar de o trailer parecer mais fiel à banda desenhada original (aparentemente com planos e textos retirados integralmente da obra original) do que o trailer de Wanted alguma vez o foi, temo pela natureza da história.

A história original é pejada de humor negro, extremamente pesada e intensa se olharmos para ela da maneira certa e muito, muito violenta.

Mais violenta ainda do que o Wanted, e isso não é dizer pouco!!

Por isso apesar de não ter dúvida nenhuma que a violência será definitivamente diminuída, tenho ainda medo que a banda-desenhada seja transformada num filmezeco de comédia levezinho.

Fixeza

2010-03-12T19:14:00.001Z

Eu vou!

2010-03-05T01:38:00.001Z

Eu vou! Para o Fantasporto eu vou!

E desta vez, contrariamente aos anos anteriores, vou fazer um relatório de Fantasporto!!!

Até Domingo!

The Devils

2010-02-27T02:05:00.003Z

Inevitavelmente, depois de se ver umas centenas de filmes, surge alguma dessensibilização.
Apesar de tudo continuo a ser extremamente permeável às mensagens emocionais dos filmes, mas mesmo assim, apesar de isso ainda acontecer com intensidade, acontece com cada vez menos frequência.

The Devils, de 1971, realizado por Ken Russel, deve ter sido dos filmes mais desagradáveis que eu vi nos últimos tempos.

E não é desagradável da mesma maneira que o Twilight é desagradável. O Twilight é só ridículo e aborrecido. O The Devils é fisicamente desconfortável de ver.

Tomando lugar na França do Séc. XVII, o filme conta a história do Padre Grandier (Oliver Reed), um bon vivant demasiado esperto para seu próprio bem, que se vê no meio de uma conspiração governamental para retirar a autonomia à cidade que está sob a tutela da sua Igreja. Para o remover do poder, as autoridades locais recorrem à Santa Inquisição e aos histerismos de uma freira (Vanessa Redgrave) para o acusarem de bruxaria e condenarem-no.

O filme é um ataque aos sentidos, alternando rapidamente entre cenários quase a preto e branco para cenários com cores extremamente saturadas, planos de câmara improváveis e uma montagem caoticamente acelerada. Não tem sequer propriamente aquilo a que se possa chamar uma banda sonora, consistindo o som do filme em misturas aleatórias de sons e instrumentos sem qualquer melodia.

Tudo isto, sem sequer chegar à extrema violência física, psicológica e sexual do filme. As cenas de tortura e exorcismos pela Santa Inquisição, são particularmente difíceis de suportar.

Interessantes também são as cenas da mais deliciosa heresia, a maioria das quais passadas no imaginário da freira histérica, e quando todo o convento de freiras é convencido que está possuído por demónios.

Um filme que mostra com imensa brutalidade a máquina de ignorância, violência e manipulação que a igreja é, esteve proibido em portugal até 1974.

/me snigger

2010-02-23T21:13:00.001Z

hehe

2010-02-23T20:31:00.002Z

Não me canso..

2010-02-21T23:30:00.000Z

Twilight

2010-02-13T23:07:00.005Z

Pronto, é hoje!

Não passa de hoje. Vou morder a bala e ver o filme.

O que eu normalmente faço quando vejo um filme acerca do qual sei que vou querer escrever é ir tomando notas mentais de coisas dignas de comentário, para depois escrever.

Desta vez vou experimentar tomar essas notas em tempo real, escrevendo-as aqui.

Vamos a isso.

00:00:00 >ecran negro<
00:00:05 >fade para< logotipo da Summit Entertainment
00:00:18 >fade para negro<

00:00:21 "i'd never given much thought to how i would die" GAAAAAAAAAAAAAAAAHHHH A DOR!!! a dor começa e o filme ainda nem tem imagens!!! Porquê?!?!?! Porque é que eu tenho de sofrer desta maneira?????

00:00:38 "But dying in the place of someone i love seems like a good way to go" AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAHHHH tirem-me daqui!!! Não, não mais frases dramáticas tiradas do livro Frases Dramáticas para Tótós!!!

Isto claramente é o pico de quão mau o filme é, por isso vou ver o resto, porque simplesmente não pode ser pior.

00:08:00 Cena típica de cafetaria, que para além de ser cliché nem consegue ter piada, não porque esteja particularmente mal escrita, mas porque todos os actores são péssimos. Eu a pensar que só a actriz principal é que seria má, mas não...

00:09:00 Oh meu deus! Personagens a entrarem em cena em câmara lenta para que a personagem secundária as possa apresentar com o tempo que quiser à personagem principal! Se ela não as descrevesse e estereotipasse em 2 minutos eu nunca conseguiria entender a história! Obrigado escritores do Twilight!

00:11:10 Olhares intensos em grande plano, para demonstrar drama... no Twilight isso significa arregalar muito os olhos, fazer tremer as pálpebras e ficar com uma expressão de quem acabou de se peidar em público.

00:17:00 Ele fala... e é tão mau... porque é que ele não podia ter-se ficado pelos olhares intensos de quem está com obstipação?

00:18:42 a sério, eles são os dois tão maus. Não consigo perceber o que é que é suposto estar a passar-se neste diálogo, mas assumo que estavam a tentar construir algum tipo de conversa intensa e embaraçosa? Não... ela tem estertores e arregala os olhos antes de cada fala.. e ele só consegue olhar para as coisas de esguelha... isto está tão mal escrito..

00:24:35 - You stopped the van, you pushed it away with your hand!
- Well no one's going to believe you.
- I wasn't going to tell anyone. I just need to know... the Truth!
- Can't you just thank me and get over it?
- Thank you.
- You're not going to let this go, are you?
- No.
- Well then, i hope you enjoy disappointment!
Tan tan TAAAMMM
o drama... há tantas coisas horríveis com este diálogo que eu era capaz de escrever um post inteiro só acerca dele.

00:28:45 - We really shouldn't be friends.
- You really should have just let the van crush me and saved all this regret!
Ah... adolescentes dramáticas e exageradas... não as odeiam tanto como eu? Quer dizer, eu sei que este filme foi pensado para adolescentes dramáticas e exageradas, mas mesmo elas devem odiar pessoas assim.

00:33:40 Apercebi-me de uma coisa com todo o diálogo da lenda da tribo, e de como a família Cullen é suposto ser "outra coisa" e os índios são "descendentes de lobos"... Será que... e isto é só uma suspeita... será que os escritores do Twilight acreditavam sinceramente que conseguiam esconder minimamente que este filme é sobre vampiros e lobisomens para além dos primeiros 5 minutos? Porque acreditar que conseguiam não só esconder, como sugerir isso cripticamente, aos 30 minutos de filme é psicótico. Ou estúpido. decido quando o filme chegar ao fim.

00:44:15 Está aqui um diálogo que deve ser o primeiro que eu vejo bem escrito até agora. Está engraçado, a escolha de palavras está gira. Agora... se ao menos a actriz principal conseguisse dizer as suas falas menos monocordicamente e com uma expressão diferente da que tem desde o início do filme...

00:47:45 The movie so far: uma montagem para explicar que isto é um filme sobre vampiros, com palavras em grande plano "pele-fria", "força", "rapidez", "morto-vivo", "imortal", "beber sangue" e finalmente "VAMPIRO!" intercaladas com segmentos do filme onde isso é mostrado.
Não percebo se isto são os escritores do filme a tentarem mostrar que são espertos "Oho! Vejam como nós fomos inserindo pequenas pistas subtis ao longo do filme sobre como a personagem principal seria um vampiro, e agora todas elas fazem sentido!!!" ou se é a maneira simpática deles de pegarem num grande cartaz de cartolina onde está escrito em grandes letras fluorescentes "A PERSONAGEM PRINCIPAL É UM VAMPIRO" dobrarem-no muitas vezes até ficar pequenino e com arestas bicudas e depois enfiarem-no com força pelo ânus colectivo dos espectadores.

00:52:20 ele brilha... ele... brilha... eu tinha visto as piadas na internet... mas pensava que... eram só piadas! piadas malvadas para gozar com o filme... mas não. está aqui, em frente aos meus olhos. ele brilha mesmo......

01:19:29 Eu estava a dessensibilizar-me do filme... a conseguir engolir quão mau ele é sem me queixar demasiado... Mas eles agora meteram Muse. Eu gosto de Muse. Não se põe Muse num filme destes!!! É errado. Muse é demasiado bom. Miúdas adolescentes exageradas e dramáticas não gostam de Muse, então porquê metê-los aqui? Sinto-me como o Alexander DeLarge a gritar "Not lovely, lovely Ludwig Van!!!!".

01:22:30 Grandes planos de lentes de contacto. Vá, todas as adolescentes impressionáveis ao mesmo tempo: squeee!

01:32:00 Ah, então este hillbilly estrábico é que é o grande vilão do filme, huh? Tinham ali o gajo haitiano, com rastas e um casaco porreiro, que até parecia ser a personagem menos banal do filme até agora, mas já não me espanto realmente que vão para o hillbilly estrábico. Isto é um filme para adolescentes dramáticas e exageradas, e essas por definição são pouco espertas, portanto para elas perceberem o filme tem de ser mantido com personagens unidimensionais, superficiais e palavras com poucas sílabas.

01:34:00 Isto é demasiado bom: a história agora está de volta ao Arizona, uma região desértica, sem chuva ou nevoeiro e com muito sol, na qual a fotografia do filme passa a ser igualmente mais luminosa e com cores mais saturadas. Mas adivinhem lá... quando os planos voltam a centrar-se na personagem principal, ficam escuros e cinzentos outra vez!!! Se isto fosse o Tropic Thunder eu dizia que estavam a fazer mudanças bruscas destas para gozarem, mas não... aqui é patéticamente propositado.

01:36:20 Não só um, mas TRÊS esgares ameaçadores que só conseguem ser ridículos!

01:45:33 Ela é tão irritante. Mas tão irritante. Tão má actriz... claramente os critérios usados no casting eram "é capaz de piscar os olhos muito depressa" e "consegue manter a mesma expressão facial durante duas horas seguidas".

01:53:23 "No one will surrender tonight. But i won't give in. I know what i want" diz a personagem feminina principal no fim do filme, referindo-se, assumo eu, ao desejo dela de se tornar um vampiro.

E há qualquer coisa de errado com esta mensagem. Não que eu seja um grande fã de mensagens nos filmes, ou que me incomodem ideias prejudiciais a serem passadas nos filmes... Mas o simbolismo do vampiro é um de desespero romântico irresolúvel, de sofrimento interminável. É por isso que apela ao espectador, e sobretudo a adolescentes dramáticas exageradas.
Mas também, classicamente, as histórias de vampiros mostram esse sofrimento interminável como uma coisa má. Como algo que até os próprios vampiros querem evitar.
E aqui temos esta pita a querer muito ser um vampiro! É um reflexo de uma geração infantilizada e estandardizada pela televisão que acredita que ser sofrido e desesperado é a melhor maneira de ter atenção e de se diferenciar dos outros.

Anyway...

O filme é mesmo muito mau. Mesmo pior do que eu pensava que podia ser.
A personagem principal, interpretada horrivelmente mal pela Kristen Stewart, é o estereótipo de todas as adolescentes exageradas e dramáticas, e representa a figura eternamente desajustada e introspectiva. Isto dito assim até podia parecer que podia dar uma personagem interessante. Mas a escrita é tão óbvia que mais valia terem alguém a narrar a história e a dizer "Agora a personagem está a não conseguir socializar num ambiente escolar, não se revêem nisto? Hum?"

Mas espera! O filme É narrado pela personagem principal!!! Como se a história não fosse má o suficiente, os escritores assumem que mesmo assim o público alvo é demasiado estúpido para entender o que se passa, e põem a personagem principal a explicar em voz off o que sente e as coisas que acontecem.
Infelizmente eles até são capazes de ter razão.

O actor principal, Robert Pattinson, é ainda pior que a Kristen, e isso é dizer MUITO!!! Toda a gama de expressões emotivas dele se resume a arregalar muito os olhos e fazer cara de cachorrinho mal-morto.

De certa forma quase que consigo admirar quem quer que seja que fez este filme... Está extremamente bem estudado para atingir as expectativas e satisfazer o coraçãozinho do seu público alvo, composto por adolescentes dramáticas e exageradas.
E por adolescentes dramáticas e exageradas entenda-se quem quer que veja o filme. Se o espectador é um homem e tem 40 anos, viu o filme e gostou então passa a ser automaticamente uma adolescente dramática e exagerada. Os seus testículos são confiscados, é-lhe dado um uniforme de colegial e fazem-lhe uma lavagem cerebral para lhe reduzir o QI a um valor semelhante ao do tamanho que calça.

Hein? O quê? Acabei de insultar todas as pessoas que gostam de Twilight?
Uma vez que as pessoas que gostam de Twilight são todas muito estúpidas, e podem não perceber sarcasmo, eu torno as coisas claras.

Se você viu o Twilight, e achou sinceramente que é um bom filme, então é uma pessoa estúpida!

E depois...

Isto não é maneira de tratar a figura do Vampiro.
O Vampiro tem sido, desde há mais de um século, uma das figuras literárias mais interessantes que existem. Tem imenso potencial para ser uma personagem extremamente interessante (e tem sido extremamente bem escrito por escritores hábeis), tem imenso pathos, e é, no geral, muito fixe.

O Edward Cullen (personagem principal do filme) é um enconado:

Edward Cullen - enconado

Por amor de deus... O Lestat usa camisas de folhos e mesmo assim é mais másculo e brutalmente fixe!!!

Lestat - uma das melhores personagens vampiro de sempre

Mas nem é preciso ir tão longe! A Selene, do filme Underworld é uma mulher, e mesmo assim tem mais tomates que o Edward!

Selene - mais testosterona que o Edward Cullen

Eu nem gosto da Buffy (perdoa-me Whedon), mas lembro-me que dos poucos episódios que vi, uma das personagens mais interessantes era o vampiro Spike:

Spike - um vampiro para adolescentes que NÃO é enconado

Querer compará-lo a vampiros a sério, como o David do The Lost Boys é quase sacrilégio:

David - badass

Ao passo que os vampiros do 30 days of night, pura e simplesmente comiam o Edward Cullen ao pequeno almoço:

Marlow - o lado mais violento e animalesco da figura do vampiro

Ou, nas palavras daquele que é, sem discussão possível, o vampiro mais violento, brutal e poderoso deles todos:

Alucard: You act more like a cockroach than a proper vampire. Left to your own devices you would cover the world in your filth. I can't stand your kind. You don't have the self-respect to be a vampire, you undead maggot. You barely even know what you are.

Whew... e pronto.

Agora, para compensar todas as pessoas que leram isto tudo, e se calhar até viram o Twilight, a recompensa que merecem!

Batman

2010-02-04T20:12:00.002Z

Esta é para ti, M.

Já que estamos numa de national geographic!

2010-01-17T20:06:00.002Z

Ainda a propósito do Twilight

2010-01-16T01:54:00.003Z

...porque eu não me canso de dizer mal do filme:

The World is Just Awesome

2010-01-12T20:32:00.001Z

Homenagem vs Derivativo

2010-01-09T02:01:00.004Z

Esta é uma questão que gera muita controvérsia.

Se uma obra quando vai buscar claramente inspirações a outras obras precedentes é:

a)meramente uma cópia, uma derivação do mesmo tema, sem trazer nada de novo ou inovador, apenas um clone criada para sacar mais umas massas da mesma população alvo.

OU

b)pega no melhor que essas obras tinham e actualiza-as para uma visão actual, sem no entanto perder a essência original e integrando-o naturalmente no produto final, criando sentimentos de nostalgia e de gosto pelo reconhecimento.

A primeira é, obviamente, má e a segunda é boa.

Por exemplo:

O filme 2012 é pura e simplesmente um aglomerado de todos os filmes de catástrofes que vieram antes. Tem meteoros, tem terramotos, tem tsunamis, tem vulcões, tem tempestades...tudo! Não consegue ser original em nenhum aspecto, sendo apenas uma repetição desenxabida.

Já o Kill Bill é uma homenagem aos westerns e filmes de yakuzas. Está cheio de referências e piscares de olhos que o cinéfilo experiente é capaz de reconhecer e apreciar. Pega nos elementos clássicos de ambos os géneros e mistura-os numa sinfonia de violência estilizada.

Tudo isto é profundamente discutível.
A obra derivativa de um homem é a homenagem de outro.

Isto vem de certa forma a propósito de um jogo que eu comprei recentemente (mas que ainda não chegou... curse you CTTs!!!!) chamado Darksiders - The Wrath of War.

Darksiders PlayStation 3 Trailer - Mayhem Trailer

O jogo é uma mistura de God of War e Zelda, não só em termos visuais, mas sobretudo em jogabilidade.
A grande discussão é se isto é uma coisa boa ou má.
Há quem diga que sim, quem diga que não.

Onde é que se define a thin red line entre o que é derivativo e o que é homenagem?

Como em muitas coisas na vida, a Penny Arcade dá-nos a resposta.

Para aqueles de entre vós que não gastaram centenas de horas (mesmo! eu tenho 130 horas de jogo no Final Fantasy X) a jogar jogos de computador e que provavelmente não tiraram todo o proveito cómico e referencial da comic, aqui ficam imagens explicativas

Link, da série Zelda
+
Kratos, da série God of War
=
War do jogo Darksiders

A Idade das Trevas

2010-01-05T18:56:00.000Z

Como o meu filho ia ter um teste de História, estive a estudar com ele
e a fazer-lhe perguntas. A matéria era relativa à Idade Média. As
classes sociais, o modo de vida de cada uma delas, pronto, esse tipo
de coisas. Foi uma experiência muito engraçada, sobretudo para quem
acompanha jornais e telejornais.

Estava eu a estudar os privilégios da nobreza e dei logo comigo a
pensar que em Portugal , ainda não saímos bem da Idade Média. Na Idade
Média, a mobilidade social era praticamente nula. A nobreza vivia
fechada sobre si própria usufruindo dos seus próprios privilégios.
Relacionavam-se entre si, casavam-se entre si, frequentavam os mesmos
castelos, participavam nas mesmas festas e banquetes, olhando para o
povo do alto dos seus privilégios sociais e económicos.

Ora, se virmos o que se passa em Portugal , temos de chegar à
conclusão que no Estado há décadas dominado pelo PS e pelo PSD, existe
cada vez mais uma feudalização da sociedade assim como uma organização
social cada vez mais endogâmica.

Um bom símbolo da nossa miséria é o casamento entre a filha de Dias
Loureiro, amigo íntimo de Jorge Coelho, e o filho de Ferro Rodrigues,
amigo íntimo de Paulo Pedroso, irmão do advogado que realizou a
estúpida e milionária investigação para o Ministério de Educação e
amigo de Edite Estrela que é prima direita de António José Morais, o
professor de José Sócrates na Independente, cuja biografia foi
apresentada por Dias Loureiro, e que foi assessor de Armando Vara,
licenciado pela Independente, administrador da Caixa Geral de
Depósitos e do BCP, que é amigo íntimo de José Sócrates, líder do
partido ao qual está ligada a magistrada Cândida Almeida, directora do
Departamento Central de Investigação e Acção Penal, que está a
investigar o caso Freeport.

Talvez isto ajude a explicar muito do que se passa com a Justiça, a
Economia, a Educação. Sobre a Educação, a minha área, vale a pena
pensar um bocadinho. Haverá gente em Portugal a beneficiar com a
degradação da escola pública? Outra vez: haverá gente em Portugal a
beneficiar com a degradação da escola pública? Há. Claro que há.

Ora bem, quer entender porquê? E quem são? Quer mesmo? É fácil.
Experimente a sentar-se um pouco com o seu filho a estudar História.

Texto de José Ricardo Costa, professor

The Man From Earth

2009-12-30T23:12:00.005Z

Este filme vem relembrar-me de que o cinema é simples. Não é preciso muito.
Uma boa ideia bem escrita, actores capazes de a fazer funcionar e algum dinheiro para o equipamento.

The Man From Earth é um exemplo típico disso.

Escrito por Jerome Bixby, autor de vários episódios de Star Trek e Twilight Zone, The Man From Earth foi o seu último filme.

E a simplicidade e eficiência da escrita (bem visível, sobretudo, nos episódios da Twilight Zone) são claros na história deste filme, que começa com a premissa algo simples de como seria um homem que não morresse.

O filme passa-se inteiramente durante a festa de despedida improvisada da personagem principal, John Oldman, que decide propôr aos seus colegas cientistas a possibilidade de uma pessoa que não morresse, e que estivesse viva desde o paleolítico.

Filmado num cenário minimalista (até a mobília vai sendo removida ao longo do filme) com uma mão cheia de bons actores (todos eles ilustres desconhecidos, vindos de dezenas de papéis secundários de outros filmes e aqui finalmente com o protagonismo que merecem) o filme explora não só as iterações lógicas da existência de um homem imortal, mas também as diferentes reacções emocionais que cada personagem tem perante a ideia.

O filme faz excelente uso da luz e da música (limitada a alguns momentos chave) para transmitir a intensidade com que algumas das ideias são discutidas.

Não é um filme brilhante, mas é definitivamente uma pequena pérola que corre o risco de nunca ser apreciada.

Os actores do filme, célebres secundários, são:

- David Lee Smith
- Tony Todd
- John Billingsley
- Ellen Crawford
- Annika Petersen
- William Katt
- Alexis Thorpe
- Richard Riehle

Twilight

2009-12-29T22:44:00.003Z

Eu IA escrever uma crítica acerca deste filme, mas depois descobri que alguém já o tinha feito!

Dou-vos: a única crítica ao Twilight de que podem alguma vez precisar!

Ps: lembram-se daquele post onde eu falava do City of Ember e mencionava actores enconados que não sabem actuar? Podem juntar o Robert Pattinson à lista.

Pps: eu não vi o Twilight.

Ppps: ... a sério, acham que eu ia fazer uma coisa dessas a mim mesmo? Depois daquela vez que snifei gengibre em pó que prometi a mim mesmo que nunca me ia sujeitar a tamanho sofrimento.

Pppps: também prometo parar de fazer piadas à volta do post scriptum.

Ppppps: O Mike Myers dizia que se mantivermos uma piada durante tempo suficiente.

Pppppps: Primeiro ela tem piada.

Ppppppps: depois perde a piada.

Pppppppps: Mas depois...

Ppppppppps: volta a ter piada outra vez.

Pppppppppps: Isto acontece porque a piada deixa de ter piada por causa da piada original e passa a ter piada por se ter tornado tão longa que a suspensão de incredulidade quebra-se, e passamos a rirmo-nos DA piada e não COM a piada.

Ppppppppppps: continuam a ler?

Pppppppppppps: eu não vou dizer mais nada de jeito...

Ppppppppppppps: não que alguma vez tenha dito alguma coisa de jeito!

Pppppppppppppps: a sério, não vou escrever mais nada!

Ppppppppppppppps: AGORA é que não vou escrever mais nada!!!

Pppppppppppppppps: se você leu até agora habilitou-se automaticamente a receber um DVD do Twilight!

Ppppppppppppppppps: ...que é para aprender.

Alice in Wonderland

2009-12-29T21:05:00.002Z

>limpar a baba<

Ps: quando eu não andar por cá, o Mero Vislumbre da Estupidez é uma excelente fonte de trailers e coisas fixes no geral!

Morgan Freeman

2009-12-27T23:53:00.001Z

Sim....

É o Morgan Freeman.

The Phantom of the Opera (2004)

2009-12-25T20:22:00.005Z

Deparo-me muitas vezes com pessoas que não gostam de musicais. De nenhum musical! Só porque são... musicais!

Amigos meus, que eu sei que têm bom gosto e sensibilidade cinematográfica, franzem a sobrancelha e fazem cara feia se alguém menciona ver um musical.

E eu até que compreendo, sobretudo depois de ver o Phantom of the Opera!

Notem que eu não estou a dizer que o Phantom of the Opera seja mau! Antes pelo contrário! É exactamente por ser o paradigma de um bom musical que os meus amigos que não gostam de musicais não gostam deste musical!

(musicol)

Para compreendermos um musical temos de voltar às bases.

Eu falo imensas vezes do entretenimento, e de como ele é o fundamento do cinema.
Mas antes de haver cinema as pessoas também se entretiam! Mas como??!

De uma forma muito simplista: as pessoas gostam de histórias, por isso inventaram o teatro, gostam de música por isso inventaram os concertos. Recorrendo à regra do Pirata Ninja Robot Zombie é fácil compreender que muito rapidamente as pessoas tenham pensado que teatro + concerto = mais divertido ainda!!!
E assim nasceu a Ópera! Que não é mais que a amálgama de duas formas de entretenimento básicas.

Depois surge a tecnologia que permite captar imagens (mais tarde também som) e o que é que as pessoas fazem?

(teatro + concerto) + cinema = musical!

(musicol)

Os primeiros filmes a preto e branco eram comédias ligeiras de slapstick que eram acompanhadas de música.

A criação do género do Musical era não só lógica, como inevitável. E, de muitas maneiras, é extremamente representativo do fundamento do cinema.

Ora, porque é que muitas pessoas não gostam de musicais?
Exactamente porque funcionam muito explicitamente com estas regras básicas, e é compreensível que cinéfilos inteligentes se deixem levar pelo pensamento de "se é simples e básico, não é bom".

Mais ainda do que isso, os musicais têm aquele aspecto de começar-a-cantar-espontaneamente-sem-razão-aparente que pelo seu exagero e inverosimelhança quebra demasiado a suspensão de incredulidade da maioria dos espectadores. Quando isso acontece, naturalmente, como com qualquer obra que quebre a suspensão de incredulidade, o público desinteressa-se e vê de facto quão ridículo aquilo tudo é.

No entanto, se conseguirmos ultrapassar estes obstáculos, espera-nos todo um mundo fantástico e piroso de musicais para explorar!

Muito rapidamente: o Phantom of the Opera, realizado pelo Joel Schumacher e escrito e composto pelo Andrew Lloyd Webber (progenitor do musical contemporâneo), tem músicas extremamente boas (parece uma ópera rock), interpretações excelentes (dentro do género) de actores como o Gerard Butler (Leonidas no 300), Patrick Wilson (Dan Dreiberg no Watchmen) Emmy Rossum e Minnie Driver (num papel pequeno mas brilhante), para além de ter uma fotografia fantástica.

Eu continuo a achar que a vida era muito mais interessante se fosse mais como um musical.

Avatar

2009-12-20T00:52:00.005Z

O vosso crítico de cinema está de volta!

Porquê o longo interregno, perguntarão? Bem, o 6º ano dá trabalho!

Anyhoo, finalmente tenho algum tempo livre para poder escrever e por isso vou voltar a expurgar diarreias mentais sobre coisas de que gosto, porque assumo que toda a gente está interessada!

Avatar...

Nunca seria fácil escrever sobre este filme, sobretudo devido a todo o hype que recebeu.

Eu sou da opinião que este filme é quase perfeito.

Uma afirmação corajosa, eu sei, mas deixem-me explicar.

O cinema é, na sua essência mais pura, entretenimento. Está bem que pode ter ideias e conceitos muito complexos e transportar mensagens muito profundas, mas quem quer que negue a ideia de que o cinema surge e existe para entreter não percebe nada do assunto.

É sob este ponto de vista que os filmes do Indiana Jones são perfeitos.
Perfeitos do ponto de vista cinematográfico.

E vou tentar explicar o que é que quero dizer com isto.

Para se fazer um filme é preciso recorrer a uma data de ferramentas. Seja a escrita do argumento, ou a interpretação dos actores, ou a fotografia, o som, a realização, os efeitos especiais... uma data de coisas.

Eu considero que um filme é tanto melhor quanto mais alto o nível de cada um destes aspectos. Isto, obviamente, de um ponto de vista puramente tecnicista. Naturalmente que existem reacções emocionais puramente viscerais aos filmes que ultrapassam todos estes aspectos.
Mas partindo do princípio que todos estes aspectos servem exactamente para provocar essa reacção emocional, então a distinção torna-se menos clara.

Porque é que eu digo que o Avatar é perfeito?

Porque, em primeiro lugar, o aspecto visual do filme é brilhante. Isso é inegável sob qualquer ponto de vista.
O filme é uma longa orgia de eye-candy, com cores e cenários absolutamente estonteantes.

Habitualmente quando um filme se esforça muito por tornar o aspecto visual/efeitos especiais muito preponderante, os outros aspectos sofrem com isso.

No entanto estamos a falar de um filme do James Cameron, que já deu provas mais que suficientes que é um grande realizador.

Portanto, para além do espectáculo visual que o filme é, temos também uma história sólida, interpretações razoáveis e um ritmo e montagem excelentes.

O que é que isto nos faz lembrar?

Star Wars?

Sim, eu estou de facto a comparar o Avatar ao Star Wars!!! Outra afirmação corajosa!

Mas temos a mesma história sólida e arquetípica do bem contra o mal, personagens estereotípicas, uma sensação épica e efeitos visuais de vanguarda.

Confiem em mim quando vos digo que este filme marca um ponto importante na história do cinema.

De resto, porque é que o filme é tão absolutamente fantástico? Porque usa a regra do Pirata Ninja Robot Zombie, que estipula que a fixeza total de uma coisa é maior do que a soma da fixeza das suas partes.

Este filme é uma combinação de Dances with Wolves, Braveheart, Starship Troopers, cultura norte americana, exobiologia, Starcraft, Gears of War e até um bocadinho dos memes artísticos acerca de dragões que surgiram nos últimos anos.

É uma combinação quase epiléptica de coisas fixes! Que resulta estupidamente bem!

Se as pessoas conseguirem admitir que vão ao cinema para se divertir, e aceitarem este filme pelo que ele é, então estão preparados para uma experiência muito inesquecível!

Ps: após ter lido o feedback de alguns membros do próprio Des1biga (estou a olhar para ti Lara) decidi escrever mais uma ou duas linhas.

Ao mesmo tempo que James Cameron preparava o filme, preparava também o jogo. Mas pelo que eu vi das críticas, o jogo galha exactamente onde o filme é forte. Ou seja, ao passo que o filme consegue ter muitos aspectos bons para além dos efeitos especiais, o jogo tem sobretudo o visual enquanto que outros aspectos como a jogabilidade, a progressão no jogo e a mecânica de jogo são inconsistentemente inferiores.

Video Games | Avatar | Review

XBox 360 | Playstation 3 | Nintendo Wii

Conservapedia

2009-10-11T20:36:00.002+01:00

-Você está a usar maquilhagem?
-É só um pesseguinho...
-Não, não! Fica-lhe bem...

O Canto do Brel

2009-09-05T17:43:00.003+01:00

Já aqui por algumas vezes mencionei o cantor/poeta Jacques Brel, e o meu fanatismo por ele.

Basicamente, argumento que ele é o melhor poeta de canções de sempre.

Assim sendo, estou a colaborar com o Sérgio Paixão num blog que tem por objectivo não só documentar a passagem de Jacques Brel por Portugal, mas também publicar a obra de Jacques Brel integralmente traduzida para português.

Dou-vos o Canto do Brel!!!

Quem comer cerejas sem que a empregada tire os caroços que atire a primeira pedra!

2009-08-28T17:15:00.001+01:00

Isto é delicioso! A sério, prestem bem atenção, não se desaproveita nada!
Todas as frases, umas a seguir às outras, são excelentes!

Breakfast at Tiffany's

2009-08-27T01:49:00.007+01:00

É a Audrey Hepburn!!!

Não a querem abraçar? Sempre que vejo a Audrey Hepburn apetece-me abraçá-la...
Ela é, afinal, uma woobie! Pelo menos no Breakfast at Tiffany's (1961).

Blake Edwards viria a ficar famoso pelas suas comédias, nomeadamente os filmes da Pantera Cor-de-Rosa e o fantástico The Party (1968), todos com Peter Sellers.

Mas mais para o início da sua carreira, quando ainda não se tinha estabelecido como realizador de comédias, fez esta pérolazinha de filme que é o Breakfast at Tiffany's.

Baseado num romance de Truman Capote, Breakfast at Tiffany's conta a história de Holly Golightly e Paul "Fred" Varjak.

Holly (maravilhosamente interpretada por Audrey Hepburn) é uma socialite/acompanhante, uma espécie de prostituta de alta sociedade que cobra pelo simples facto de ser vista em público a acompanhar outra pessoal, cujo objectivo vago é ganhar muito dinheiro. Para isso vai fazendo o jogo da alta sociedade, a saltar de homem em homem, numa vida caótica.
Agora, contrariamente ao que possam pensar, a personagem dela não é cínica, nem fria nem sequer calculista. Passa a maior parte do filme sem dinheiro e a sentir-se magoada pelos "ratos" da corrida.
Mas também não é parvinha nenhuma. Apercebe-se profundamente do cinismo e hipocrisia do que faz e das pessoas à volta dela. Só que dá-lhe mais jeito que as pessoas achem que ela é parvinha.

Depois há Paul Varjak (George Peppard), que se muda para o apartamento de Holly, e se vê enredado na vida dela.
Paul é um escritor que não escreve nada há vários anos, e é sustentado por senhoras de alta sociedade que têm pena dele (é sugerido várias vezes no filme que ele também funciona como prostituto). Também ele é consciente do jogo que joga, e isso também lhe desagrada.

Por não terem nada à partida que o outro queira, Holly e Paul conseguem criar uma amizade honesta, algo que nas suas vidas parece ser raro.

A história progride a partir daí, mostrando pequenos vislumbres da vida de um e de outro, e da forma como se vão tornando cada vez mais próximos. Mas, sem dúvida, a estrela do filme, a personagem central é Holly. Mais uma vez, devido à interpretação fantástica de Audrey Hepburn.

A mulher tem tanto, mas tanto estilo! Exuda glamour e elegância, mesmo quando é suposto estar bêbeda ou descontrolada! É impossível não admirar esta personagem.
E é fantástico como, através destas camadas todas, Audrey Hepburn ainda consegue dar à personagem uma fragilidade extrema, a transparência de que debaixo de todo aquele glamour há imenso sofrimento de que a personagem quer fugir.

Não vou contar o resto da história, mais vale ser vista.

Adicionalmente, temos uma visão muito gira da América pré revolução hippie, um estereótipo japonês, e a fantástica canção Moon River, escrita por Henry Mancini de propósito para Audrey Hepburn

Ps: vendo agora este trailer, apercebo-me que mostra mais da história do que eu gostaria, mas vou deixá-lo ficar, porque acho que é deliciosamente representativo do estilo de cinema do início dos anos '60!

EDIÇÃO ESPECIAL DE I'LL SEE YOU IN MY DREAMS NO MOTELx

2009-08-26T20:33:00.002+01:00

EU VOU!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

"A curta-metragem I'll see you in my dreams, abalou o cinema português em 2003, ao trazer para o grande ecrã os primeiros zombies portugueses. Contou com um elenco de luxo: Sofia Aparício, Adelino Tavares, São José Correia, Rui Unas, entre outros.

No ano em que o MOTELx promove o Prémio Melhor Curta de Terror Portuguesa, o filme de terror português mais popular de sempre terá uma edição especial numerada de 1000 exemplares, que incluirá a oferta de um fotograma original do filme. Este DVD estará disponível para compra a preço especial durante o festival, de 2 a 6 de Setembro, no Cinema São Jorge.

Para além do DVD, o MOTELx está a preparar uma surpresa relacionada com o filme I'll see you in my dreamspara a sessão de encerramento do festival.

Comentário de Filipe Melo, produtor, actor e argumentista

"Passaram cinco anos desde a primeira edição em DVD do I´ll see you in my dreams. Escrevo estas linhas em Tondela, na mesma mesa onde há sete anos escrevi a curta-metragem, e não posso deixar de confessar que sinto uma enorme nostalgia. Nesta sala, ainda consigo imaginar a equipa de efeitos especiais a maquilhar os meus amigos e a equipa de produção a correr de um lado para o outro. Entretanto, o bosque onde filmámos a sequência inicial ardeu e a casa de Lúcio foi demolida. A equipa não se voltou a juntar: alguns seguiram com as suas vidas no cinema, outros seguiram com as suas profissões habituais nas outras áreas. Tenho a certeza, no entanto, que esta curta metragem marcou todos os que por ela passaram - o espírito de união, de crença no resultado final e a total entrega a uma causa que a todos parecia irracional. Está tudo aqui, resumido numa caixinha, gentilmente reeditada pelo MOTELx. Sei que, por causa deste filme, passarei uma vida inteira dedicada ao cinema e às artes do fantástico, porque percebi o quão necessário isso se tornou para mim. É gratificante saber que, ao longo dos tempos, cresce uma comunidade portuguesa dedicada ao terror e ao imaginário. Em breve seremos muitos, e cada vez melhores."

Comentário dos organizadores do MOTELx

(Carlos Pontes, Catarina Ramalho, João Monteiro, João Viana e Pedro Souto)

"O MOTELx surge de uma grande vontade de partilhar uma afeição pelo cinema de terror e também da ambição de contribuir, de alguma forma, para a implementação do cinema de terror português. I´ll see you in my dreams, é já uma das mais importantes curtas-metragens nacionais de sempre pela forma como se destacou e abalou um pouco o panorama do cinema português, e também enquanto fonte de inspiração para jovens cineastas no género: trata-se de uma obra nascida do mais puro amor pelos filmes de zombies e, como manda a história, produzido graças à determinação de alguém consciente de pouco lucrar com esta demanda. Quando o Filipe Melo se dirigiu a nós para reeditar a curta em DVD, parecia que um círculo se estava a fechar. No ano em que iniciamos o Prémio MOTELx - Melhor Curta de Terror Portuguesa, participar na reedição em DVD do primeiro filme de terror português pareceu-nos não só óbvio, mas obrigatório. E para tornar esta edição mesmo especial passámos uma memorável noite a cortar uma das bobines do filme, para que cada caixa tenha um fotograma original e exclusivo de zombies portugueses."

Edição Especial MOTELx do filme I'll see you in my dreams

1.000 exemplares com oferta de fotograma do filme

Extras do DVD: Menus animados; Documentário O Homem que Gostava de Zombies; Making of "A Curta + Longa"; Videoclip dos Moonspell; Making of do Videoclip; Cenas cortadas; Comentário audio; Comparação destoryboard; Trailer de Cinema; Galeria de Imagens, Festivais.

Produtora: Pato Profissional

Realização: Miguel Ángel Vivas

Argumento: Filipe Melo e Ivan Vivas

Actores: Adelino Tavares, São José Correia, Sofia Aparício, Manuel João Vieira, João Didelet, Rui Unas, David Almeida

Ano: 2003

Duração: 20'

À venda durante o MOTELx a preço especial de 10€.

O MOTELx é organizado pelo CTLX - Cineclube de Terror de Lisboa em parceria com a EGEAC, E.E.M. e em co-produção com o Cinema São Jorge. "

The Guild

2009-08-26T04:13:00.003+01:00

Eu já tinha falado aqui da Felicia Day.

Ela entrava no Dr Horrible's Sing-Along Blog e era fantástica no geral.

Agora está a fazer a sua própria série de internet (um conceito sobre o qual eu tenho de escrever um dia destes!).

Chama-se The Guild e para quem já jogou MMORPGs é duplamente engraçado!

Todos os episódios estão disponíveis online. Deixo-vos aqui o primeiro:

Vicky Cristina Barcelona

2009-08-26T02:29:00.006+01:00

Woody Allen...

Ou se gosta dele ou se odeia!

Uma pessoa com quem vi o filme, disse-me no fim que o Woody Allen fazia sempre o mesmo tipo de filme. Sempre o mesmo tipo de história, sempre o mesmo tipo de diálogos, sempre o mesmo formato.

E é verdade!

O Woody Allen repete-se imenso, experimenta sempre à volta do mesmo tema, faz todos os seus filmes com o mesmo tipo de diálogo, o mesmo tipo de humor, o mesmo tipo de ritmo e cinematografia.

Isso diz-nos dele que é um realizador rígido, sem grande capacidade de evolução, sem flexibilidade e vontade de experimentar coisas novas.

O que não invalida que os filmes dele sejam muito muito bons!

Vicky Cristina Barcelona (2008) é o penúltimo dos seus filmes (raios que o homem não pára! Um filme por ano, quase sem falhas, desde os últimos 40 anos!!!).
E é muito bom!!!

No seguimento dos seus últimos filmes, este é também um filme escuro, apesar de não parecer.

Começando com Melinda and Melinda (2004) e estabelecendo-se com Matchpoint (2005) Woody Allen tem feito filmes com temas mais pesados ou com finais tristes.

Vicky Cristina Barcelona abre com a apresentação das duas personagens principais Vicky (Rebecca Hall) e Cristina (Scarlett Johansson) que decidem ir passar as férias de verão a Barcelona (não surpreendentemente).

Vicky é apresentada como sendo realista, estável e à procura de seriedade. Cristina como romântica trágica, sem saber ao certo o que procura.

Chegadas a Barcelona encontram Juan Antonio (Javier Bardem) um artista, e a relação de ambas com ele vai pôr em causa aquilo em que ambas acreditam.

Pelo meio, para complicar as coisas surge a ex-mulher de Juan Antonio, Maria Elena (Penélope Cruz).

A história desenrola-se na relação entre estas quatro personagens. E à medida que o filme progride, que a história se expõe, percebemos quão profunda cada uma destas personagens é, e quão complexa é cada uma das relações que estabelecem.
A escrita é da melhor que tenho visto nos filmes do Woody Allen, ou em qualquer outro filme, e as personagens (e as suas relações) são perfeitamente credíveis.

Para isto contribui imenso a interpretação de cada um dos actores. Todos os quatro, Rebecca Hall, Scarlet Johansson, Javier Bardem e Penélope Cruz, estão no seu melhor!

Sem querer contar o desfecho da história, Vicky Cristina Barcelona funciona como conto, como fábula, uma cautionary tale!

O controlo obsessivo e a atenção ao detalhe, típicos de Woody Allen, são muito visíveis durante o filme todo, seja na banda sonora meticulosamente escolhida, aos locais e cenários seleccionados para filmar.

A fotografia é lindíssima.

Se gostam de Woody Allen, vão gostar deste filme! Se não gostaram dos outros filmes do Woody Allen, então... a Scarlett Johansson e a Penélope Cruz beijam-se!

Brüno

2009-08-25T04:14:00.001+01:00

O que é que se passa aqui, e porque é que é interessante?

O que se passa é que Sacha Baron Cohen, inventa uma personagem, neste caso um homossexual assumido (mais especificamente uma bicha histérica), e depois deixa-a livre para percorrer o mundo.

Depois filma as reacções do mundo.

O filme tenta ter piada de duas maneiras diferentes: a mais simples é pela própria personagem que é uma caricatura exagerada, e cujas idiossincrasias e exageros tentam produzir o riso.

Infelizmente rirmo-nos dos homossexuais é mais velho que cuspir na sopa, e nem os enormes exageros a que a personagem é levada por vezes conseguem ter piada. A personagem simplesmente não é original. Está bem construída, bem interpretada, mas não tem nada de original.

A segunda forma pela qual o filme tenta ter piada é pela reacção do mundo à personagem.

Aqui sim está o aspecto interessante do filme, quase como retrato social.

O filme está construído como falso documentário que funciona como documentário a sério (!?!).

Neste caso, Brüno, a personagem titular, percorre a américa profunda e vai chocando muitas pessoas, mas mais que isso, elicitando respostas e reacções inacreditáveis (desde os padres que querem curar homossexuais a mães que deixam fazer lipo-aspiração aos bébés).

Para mim, mais incrível que estas pessoas reagirem desta forma, é simplesmente o facto de não questionarem a personagem e aceitarem sem hesitar que ela possa existir no mundo real!!!

Obviamente que nem todas as situações são genuínas, sendo algumas claramente ensaiadas. No entanto é difícil estabelecer claramente uma distinção, o que em si é assustador.

Só por estas razões, Brüno vale a pena ser visto.

No entanto, sou da opinião que o Borat (2007) que funcionava exactamente nos mesmos moldes, tinha mais piada.

E tinha mais piada exactamente porque a personagem principal, nesse caso um jornalista de um país da europa de leste (Borogravia? não me lembro...) vai para a américa com uma data de preconceitos horríveis que não questiona.

Bem mais interessante que uma bicha histérica, que já foi feita dezenas de vezes.

Anyhoo...

Ps: oütra vantägem dëste fïlme, ë qüe aprëndi ä fäzer ümlauts!!!

Grito de Wilhelm

2009-08-23T16:02:00.005+01:00

De acordo com a wikipedia, o Grito de Wilhelm foi gravado originalmente para o filme Distant Drums de 1951.

Era um efeito sonoro usado na cena em que um homem é comido por um crocodilo.

Por alguma razão, o efeito sonoro foi sendo usado esporadicamente em vários filmes ao longo dos anos, até que Ben Burtt, o editor de som no Star Wars Episode IV: A New Hope o usou, e passou a usar em muitos filmes da dupla Lucas-Spielberg.

Desde então que, se prestarem atenção, e sobretudo se souberem ao que estar atentos, podem ouvir este efeito sonoro em dezenas de filmes.

Este vídeo mostra pouquíssimos exemplos:

Entretanto encontrei mais este:

E uma canção!!!

Joker/Batman

2009-08-23T02:19:00.001+01:00

Quem diria...

Hein, M.?

Passos Perdidos

2009-08-16T17:47:00.003+01:00

Teaser de um filme, realizado por Sérgio Luís, que vai ser exibido no Faial Filmes Fest de 2009:

Collateral

2009-08-12T02:36:00.002+01:00

Nova Iorque vs Los Angeles...

É como as velhas questões: gatos vs cães, baunilha vs chocolate, Beatles vs Elvis, cuecas vs boxers, bolo vs tarte, cuspir vs engolir, Piratas vs Ninjas.

Até podemos gostar dos dois, mas gostamos sempre mais de um do que do outro. E isso define-nos enquanto pessoa, pelo menos um bocadinho.

E os filmes passados em Nova Iorque ou em Los Angeles são definidos, pelo menos um pouco, pela escolha da cidade em que são filmados.

Isto dava todo um artigo (e possivelmente vá dar, não sei) mas resumidamente:
Nova Iorque é uma cidade claustrofóbica, suja, com pouco espaço pessoal, íntima, em que tudo é tomado pessoalmente, que cresceu como um organismo vivo, em que a sujidade e a lama e o sangue fazem parte do cimento que segura os velhos prédios de apartamentos e as decrépitas esquadras de polícia.
Los Angeles, por outro lado, é uma cidade grande, aberta, desenhada, construída, impessoal, estéril na sua corrupção, fria no seu calor de deserto, com os seus prédios de plástico e vidro a reflectirem uma população que não se importa, que está dessensibilizada.

Eu vi na semana passada o Public Enemies e não escrevi acerca dele porque tinha acabado de sair dos exames e não me apeteceu. Mas pensei que o filme sestava muito bem realizado, e pus-me a pensar nos outros filmes que o Michael Mann tinha feito, e decidi rever o Collateral.

Isto é mentira, obviamente. Eu estava a procurar na prateleira dos DVDs e apeteceu-me voltar a ver o Collateral outra vez, e depois é que me lembrei que o Michael Mann também tinha realizado o Public Enemies, mas pronto...

Há três histórias a decorrerem no Collateral.

A primeira é o enredo.
Max (Jamie Foxx) é um taxista em Los Angeles, que apanha Vincent (Tom Cruise) ao início da noite. Na primeira paragem, Vincent revela-se como assassino, e contrata (obriga) Max a conduzi-lo durante o resto da noite enquanto ele vai atrás de cada alvo na sua lista. A história progride como seria de esperar, com um polícia atrás deles (Mark Ruffallo), bandidos (Javier Bardem, numa aparição curta mas intensa) e até uma donzela em perigo que tem de ser salva (Jada Pinkett-Smith).

A segunda história, bem mais interessante, é a história entre Max e Vincent.
Max é taxista há 12 anos, é bom no que faz, mas tem outros planos, outros projectos que adia indeterminadamente. Vincent é um assassino frio, prático, niilista e que gosta de jazz.
Durante a noite, Max e Vincent desenvolvem uma relação de cumplicidade relutante, uma vez que precisam um do outro (Max precisa, sobretudo, que Vincent não o mate).
Vincent introduz-se na vida de Max e altera-a com a mesma frieza e desligamento com que mata pessoas aleatórias.
Ao longo do filme apercebemo-nos da profundidade de cada uma destas duas personagens e de quão defeituosas ou gostáveis conseguem ser. A história nunca nos deixa escolher claramente por quem torcer, mostrando-nos aspectos de um e de outro que nos fazem variar a nossa simpatia.
Kudos para Stuart Beattie, escritor.

Finalmente há a história de Los Angeles.
Este é um filme passado à noite em Los Angeles, e Michael Mann faz questão de o mostrar. Filmado todo com câmaras digitais (mais sensíveis às baixas luzes), Michael Mann dedica quaste tanto tempo e energia para mostrar a desolação urbana nocturna de Los Angeles quanto a mostrar a história e as personagens.
A fotografia é lindíssima, com os néons e os candeeiros de rua, e as luzes fluorescentes dos prédios, os semáforos, um céu ubiquamente cor-de-laranja.
Los Angeles à noite é uma cidade deserta, solitária, com estradas semi-vazias e sem vida. Este vazio reflecte, de alguma forma o vazio interior e solidão das duas personagens principais.

A música do filme alterna entre Bach, Miles Davis e música original de James Newton Howard, usada sempre de formas extremamente oportunas.

Tenho definitivamente de comprar este filme em Blu-Ray...

The Assassination of Richard Nixon

2009-08-11T01:50:00.003+01:00

Este filme...

A sério...

...

O filme começa com Sam Bicke, no carro, a fazer a barba, a amarrar uma prótese metálica à perna, a pegar na sua mala e a sair do seu carro que está no estacionamento, e a entrar no aeroporto.
O realizador decide que isto precisa de mais contexto, por isso o filme volta uma semana atrás no tempo.

Vemos Sam Bicke no seu quarto a escrever uma carta a Leonard Bernstein (o maestro da orquestra sinfónica de Nova Iorque) a explicar porque é que vai matar o Presidente Richard Nixon.
O realizador decide que isto ainda não serve de contexto, por isso o filme volta atrás no tempo um ano inteiro.

E vemos a vida de Sam Bicke.

Sam Bicke é um homem honesto. Obsessivamente honesto, intransigente na sua visão do que é correcto e errado no mundo.
Sam esforça-se demasiado. Esforça-se por manter o emprego de que não gosta, esforça-se por agradar à ex-mulher, esforça-se por ser um bom pai, esforça-se por subir na vida.

Mas a América dos anos '70 não foi feita para homens como Sam Bicke. No filme a América é mostrada pelos olhos honestos e íntegros de Sam, cada corrupção, cada desonestidade são monstruosidades intoleráveis para ele.
Sam Bicke vê-se confrontado com a necessidade de trair aquilo que para si são os seus princípios mais sagrados, mais basilares, para poder continuar a funcionar como a sociedade espera que ele funcione.
Inevitavelmente falha.

Tal como tudo o resto inevitavelmente falha.

O filme é uma progressão lenta e dolorosa de cada fracasso pessoal, de cada humilhação, cada revés, cada frustração, do desmoronar da vida deste homem sofrido.

Sam Bicke esforça-se tanto!

A interpretação de Sean Penn é perfeita, absolutamente perfeita. Todas as nuances, todos os olhares, todos os gestos traem o sofrimento intenso que Sam Bicke sente todos os dias da sua vida.

A honestidade de Sam Bicke levam a que ele se revolte contra os desonestos e os mentirosos. E quem, na América dos anos '70 era mais desonesto e mentiroso que Richard Nixon?

Sam desenvolve uma obsessão doentia por curar o cancro do sistema, por mostrar aos poderosos que mesmo um zé-ninguém como ele tem poder, e que pode abalar as coisas.

Por isso põe em marcha um plano desesperado, um delírio, que ele acredita que vai mudar tudo.

E conta tudo a Leonard Bernstein, acompanhado de música clássica.

The Assassination of Richard Nixon foi, definitivamente, uma das experiências cinematográficas mais dolorosas da minha vida. O filme é absolutamente emocional, e consegue de uma forma soberba transmitir as emoções da personagem principal trágica.
Isto deve-se, quase a 100% à interpretação fantástica de Sean Penn.

O filme é imperdível.
A não ser, claro, que estejam deprimidos, e nesse caso se virem o filme podem querer suicidar-se.
Deixo ao vosso critério.

Serpico

2009-08-10T03:20:00.003+01:00

O filme de polícias para acabar com todos os filmes de polícias! O melhor ao que o género pode aspirar, o ápex, o cúmulo, o clímax dos policiais!

Só é pena que esse pico tenha sido atingido há mais de 35 anos, e desde então nada tenha sequer chegado perto...

Estou a falar de Serpico de 1973.

Frank Serpico é o único polícia honesto numa Nova Iorque corrupta. Todos os polícias são corruptos, todos os departamentos são corruptos, todos os políticos e juízes e jornalistas são corruptos.
Serpico decide iniciar uma cruzada pessoal contra a corrupção, contra tudo e contra todos.

A personagem é extremamente intensa e profunda. Brilhantemente interpretada por Al Pacino, Serpico é um homem obcecado com a sua luta, revoltado com o sistema e que a determinada altura deixa de se preocupar com a sua própria segurança.
Abdica da sua vida, abdica das várias relações amorosas que poderia ter tido para tentar livrar o sistema policial da corrupção.
No entanto toda esta luta é, para ele, altamente destrutiva e dolorosa. As perdas são intensamente sentidas, o cansaço é duramente vivido, a frustração é pálpável.

Começando como mero agente de rua, e subindo numa carreira atribulada pelos vários inimigos que faz na sua cruzada contra a corrupção, Serpico descobre desonestidade em todos os amigos e aliados e desilude-se profundamente com isso.
No entanto continua, e leva a sua luta até às últimas consequências. Depois de ter perdido quase tudo, depois de já não ter nada a perder, essa luta é a única coisa que dá sentido à sua vida, e no fim do filme Serpico é um homem quebrado.

O filme é impiedoso na sua descrição da vida deste homem, mostrando cada aspecto da sua vida, em casa, com as namoradas, com os amigos e colegas de trabalho, a combater o crime nas ruas.
O filme por vezes parece um documentário. Não é que não tenha uma sequência lógica de eventos, mas todas as cenas parecem separadas umas das outras, sem um fio condutor aparente entre elas, saltando livremente de cenas dentro da esquadra para cenas dentro da casa da personagem.
Todas as cenas estão saturadas de pormenores ou informação relevantes. Não há momentos contemplativos, ou de comic relief, ou cenas familiares de conforto. Não é dado ao espectador um momento de descanso, onde recuperar o fôlego.
É-nos feito sentir o stress e tensão da personagem de uma forma quase física.

Nova Iorque é mostrada como uma cidade suja e violenta, cheia de chuva e lixo e becos e carros abandonados, onde Serpico se integra com a maior das facilidades.
É ridículo dizer que o filme retrata perfeitamente os anos '70, uma vez que foi feito em 1973, mas a verdade é que retrata realmente muito bem os anos '70. O fim do idealismo dos anos '60, a desilusão que se seguiu, as festas onde Serpico vai e onde se sente que toda a gente se está a esforçar demasiado por recapturar a ingenuidade da década anterior.

A música é esporádica, mas extremamente oportuna e intensa.

Serpico é um filme típico dos anos '70, que só podia ter sido feito nessa altura, e nunca nada tão bom dentro do género foi feito desde essa altura. O que é realmente uma pena, ou então só mostra quão bom o filme realmente é!

Ps: revendo o trailer, tenho de fazer notar que o Al Pacino tem o sentido de moda mais fantástico que eu já vi em qualquer filme.

Deep Impact/Principezinho

2009-08-03T12:23:00.003+01:00

Aquilo que eu sempre achei do Principezinho:

Vindo do maravilhoso xkcd!!!

Movies in 5 seconds

2009-07-27T20:05:00.001+01:00

Gui, vais adorar isto.
All Movies in 5 seconds é um site de crítica cinematográfica com um tipo de humor geek. Muito geek.

TV Tropes

2009-07-21T02:27:00.002+01:00

Sofram... como eu sofro!

O fim da vossa vida como a conhecem!!!!

Michael Jackson

2009-07-08T01:00:00.003+01:00

O que é que ele fez?

A sério!

Expliquem-me!

Quero sinceramente compreender!

Foi o Thriller? Foi o Moonwalking?

O que é que o homem fez para merecer tanto alarido?!?

Li vários textos no qual se referiam a ele como sendo o "Rei do Pop"...

Vamos a ver se compreendemos uma coisa: a música pop, é, por definição, a música de que mais gente gosta a qualquer determinado momento.
É música que tenta ser o mais igual a ela mesma, para agradar ao maior número possível de gente, para corresponder ao maior número possível de expectativas.
É música cujo principal objectivo é ser mastigada e cuspida e depois passar ao próximo hit single, boys band, jail-bait ou hip-hopper. É música de massas. Música cujo único propósito é ser vendida para que alguém muito mais esperto do que as pessoas que a ouvem, possa enriquecer muito.

Logo ser o "Rei da Música Pop" não é uma coisa boa!!!
É o mesmo que dizer que ele era o Rei da Mediocridade!

Se é que o era!

Mas sabem o que É que ele era?

Um pedófilo...

A única razão pela qual ele não é tratado como o Bibi da Casa Pia é porque tinha dinheiro suficiente para calar as famílias das crianças abusadas.

De qualquer modo...

Arrábida World Music Festival

2009-07-05T13:16:00.005+01:00

Este ano, nos Santos Populares, já enebriado pelos copos, algures pela bica, conheci um tipo que quando soube que eu era de Setúbal disse, entre outras coisas que o alcool já apagou da minha memória, que a minha cidade natal, Setúbal, era a cidade do país com maior potencial mas que não passa de uma merda.
Não me vou prolongar pela história da cidade até porque a conheço mal. Mas é uma verdade universal que a sua energia existencial se degradou a um ponto terminal... culturalmente, economicamente e socialmente. É uma cidade quase morta e todos dizem sempre que cheia de potencial, pelas pessoas, pela arrábida, pelo sado, pelo peixe e choco frito, por troia e voltando ao inicio, pelas pessoas, que como noutras cidades existem, mas contrariamente ás outras cidades não existem.
Isto tudo para dizer que tivemos uma visita do espaço, talvez de Saturno. Uma visita que jamais imaginei nesta cidade quase morta. Uma visita entre outras que transformaram esta cidade em dois dias. Refiro-me a Sun Ra Arkestra e à sua presença no Arrábida World Music Festival, onde em dois dias passaram Tinariwen, Tcheka, Legendary Tiger Man, DJ Café del Mar, Sun Ra Arkestra, Mazgani e Heavy Trash.
Simplificando, em dois dias o melhor cartaz de um festival este ano passou pela minha cidade e dentro de um castelo iluminado a ver as luzes da cidade e a baía pudemos assistir ao primeiro batimento cardiaco da cidade após um longo período de assistolia cultural.

Sun Ra Arkestra ao vivo foi um momento histórico para mim. Quem não conhece Sun Ra precisa de rever alguma história da música e do jazz, porque estamos a falar de um dos pais do avantgard jazz. Sem ele não haviam john zorn, nem uma paleta interminável de artistas experimentais modernos. Fica aki um video:

Fica aki o link do festival e do site oficial da arkestra:

http://www.awmfestival.com/

http://www.elrarecords.com/sunra.html

Aos que perderam este evento fiquem atentos, muito atentos,.. para o ano haverá mais. Se o cartaz mantiver a mesma qualidade então estamos perante um pequeno ressuscitar de Setúbal e o início de um evento de culto para todos aqueles que gostam de boa musica "do mundo" e do "espaço".

City of Ember

2009-07-03T00:48:00.003+01:00

Pronto, ok, admito: eu sou um fã de steampunk por isso ia sempre gostar deste filme!

De uma forma ou de outra ia gostar do filme.

Está bem que tem uma história gira apesar de muito batida, tem bons actores (Bill Murray, Tim Robbins), um crescendo aliciante e uma boa banda sonora.

Mas se não tivesse nada disso e ainda tivesse os cenários e as roupas e o ambiente, eu ia adorar o filme na mesma. A minha imparcialidade cinéfila (?) desaparece por completo quando se trata de steampunk.

Mas houve uma coisa que me chamou à atenção.

De entre os vários filmes de fantasia juvenis que têm aparecido e que têm invariavelmente actores adolescentes/jovens como protagonistas, há uma tendência geral que os permeia a todos: o actor principal é um enconado.

É verdade! Parecem todos saídos dos morangos com açúcar!

Apercebi-me disso quando estreou o Eragon (2006), com o Ed Speleer como actor principal:

Ed Speleer - Coninhas

No entanto, no City of Ember (2008), o actor principal, Harry Treadaway, consegue não ser um enconado e até ter uma interpretação que não parece saída de uma telenovela (gasp!!!):

Harry Treadaway - bom actor (?!)

De qualquer modo, o filme é muito giro apesar de não ter nada de realmente original para além do ambiente criado.

Fanboys

2009-06-22T00:09:00.003+01:00

Eu sou um fanboy.

É verdade!

É preciso admiti-lo!

Admiti-lo é o primeiro passo...

...para se ser mais fanboy ainda!!!!!!!!!!

Porque um fanboy não se envergonha da sua geekice! Exulta nela, torna-a ponto de honra!
Um fanboy que negue a sua geekice não merece respeito.

Este filme é TÃO BOM!!!!!!!!

Qualquer geek que se preze tem de o ver!

Nem que não seja para procurar as referências e os cameos!

O filme não tem nada de especial: quatro amigos decidem entrar no rancho Skywalker para roubar uma cópia do Episódio I para o ver antes de estrear.
É um road movie basicamente.

Mas é muito divertido!

No fim acaba por ter um toquezinho dos filmes do Kevin Smith. Aquela tolice toda muito grande com uma mensagem simples e poderosa muito bem disfarçada lá pelo meio, bem escondida para ver se ninguém repara que o filme até é bom!

2012

2009-06-20T19:04:00.002+01:00

Exames, demasiado ocupado para ver filmes, quanto mais escrever sobre eles...

Deixo-vos com um trailer que explicita o meu próximo mês e meio.

Eden Lake

2009-05-31T01:10:00.004+01:00

Eu gosto de filmes de terror.
Mesmo dos maus.
Às vezes sobretudo dos maus!!!

Isto porquê?
Porque os filmes de terror dividem-se em 77% de filmes de terror que não assustam, que estão basicamente mal feitos e que são só medíocres em todos os aspectos, 20% de filmes incrivelmente maus, mas tão maus, que voltam a ser bons, e uns pequenos 3% que são bons filmes de terror.

Esta pequeníssima fracção de filmes de terror bons faz com que o apreciador de filmes de terror tenha de gostar dos filmes de terror muito maus, caso contrário era um frustrado do caraças.

Raramente, deparo-me com um filme que cai nestes 3%.

Ainda não foi desta vez! Mas raios se não esteve muito perto!

Só digo que não foi desta vez porque Eden Lake não cai exactamente dentro daquilo que se categoriza como filme de terror, acho eu.
É mais um thriller... ou coisa do género. Não sei, mas não o consigo ver exactamente como filme de terror..

De qualquer modo!

James Watkins, na sua estreia como realizador, safa-se incrivelmente bem com Eden Lake, sobretudo se tivermos em conta que também o escreveu.

Um casal, Jenny (Kelly Reilly) e Steve (Michael Fassbender), vão passar o fim de semana a um lago que vai ser destruído para lhe construírem um condomínio fechado em cima (ou à volta, não percebi bem). Lá chegados, começam a ser importunados por um gang local, que se torna progressivamente mais violento, e é tudo muito divertido até que alguém acaba morto. Depois o resto do filme é uma longa e tortuosa perseguição.

Se isto vos parece familiar, é porque é. É a premissa de dezenas de filmes de terror que já viram antes.

MAS!

Este filme é britânico, e os ingleses têm feito boas coisas no terror ultimamente (The Descent, 2005). Se tivesse sido feito por americanos seria, certamente, muito diferente.

Assim sendo, e como é, o filme consegue ser brutal.

Em todos os sentidos, mas sobretudo fisicamente.

O filme é violento! Muito violento!!! Não há por aí além sangue a espirrar, nem grandes cenas de pancadaria, mas a violência que é mostrada é crua, explícita e sobretudo credível.
Não cai em exageros que a poderiam tornar estilizada, mas também não se coíbe de a mostrar.
Houve cenas que me deixaram genuinamente agoniado (!).

Mas sobretudo há violência emocional.
O gang de adolescentes que persegue o casal é frio e infantil na sua agressividade. A perseguição é longa e cansativa. Não conseguimos não nos identificar com a personagem principal (extremamente bem interpretada por Kelly Reilly) à medida que lhe vão acontecendo as coisas mais escabrosas!

Não há aqui cenas de cair-na-lama-e-voltar-a-levantar-se-com-o-penteado-bem-arranjado! Não, as personagens ficam sujas, rotas, enlameadas, ensanguentadas! A filmagem deve ter sido um horror para os actores.
Só vendo para perceber do que estou a falar.

Imaginem este filme como sendo uma parte Deliverance, uma parte Clockwork Orange e uma parte Funny Games.

Não é que seja um filme de terror, mas é um filme muito muito assustador.

The Iron Giant

2009-05-27T22:10:00.004+01:00

Eu já era fã de Brad Bird à custa do The Incredibles (2004) e Ratatouille (2007), por isso foi com grandes expectativas que fui ver a sua primeira longa-metragem de animação: The Iron Giant (1999).

E o filme superou as minhas expectativas!!!

Mas completamente!

Muito basicamente, o filme conta a história de Hogarth, um rapaz de 11 anos que encontra no bosque perto de sua casa um robot gigante de metal vindo do espaço, e começa a tratá-lo primeiro como um animal de estimação e depois como um amigo, tendo de o defender do agente do governo que o quer destruir.

Sim, eu sei que parece o típico argumento de filme infantil, mas não é!

A história progride de uma forma muito calma, muito compassada, sem nunca dar mais a entender do que é absolutamente necessário, e aborda temas invulgarmente adultos (à semelhança de The Incredibles).

Outro aspecto em que o filme é excelente é na sua recriação da América de 1957. Os carros, as roupas, as séries de tv, as mobílias, as músicas, a ameaça vermelha, a geração beatnik... está lá tudo, maravilhosamente explorado e inconspícuo, a criar um ambiente verdadeiramente credível.

A animação é clássica, tendo a particularidade de ter sido o primeiro filme em que a personagem titular (o robot) é completamente gerado por computador. No entanto os animadores, antes de inserirem o modelo de computador nos frames animados classicamente, sobrepuseram-lhe um filtro para simular as imprecisões da animação convencional permitindo assim uma integração perfeita.

A interpretação vocal está extremamente bem feita, com nomes como Jennifer Anniston, Harry Connick Jr. e Vin Diesel (aposto que não conseguem perceber onde) no elenco.

Vale realmente a pena ver esta pérola da animação!

The Happening

2009-05-17T00:36:00.002+01:00

Foi com grande relutância, numa noite em que não tinha mesmo nada melhor para ver, que finalmente vi o The Happening do Night Shyamalan.

Deixem-me explicar: Eu vi o The Sixth Sense (1999) e fiquei abismado! A história era inteligente, o filme assustador, o twist quase imprevisível! Pensei "ora aqui está um excelente filme!!!".

Depois vi o Unbreakable (2000) e fiquei maravilhado! A história era outra vez inteligente, o filme era carismático, o twist bastante satisfatório! Pensei "ora aqui está um excelente realizador!!!"

Depois saiu o Signs (2002). Fui vê-lo cheio de expectativas e pensei "E pronto, fez merda....". O filme é mesmo muito mau, e estúpido.

Cheio de medo lá fui ver o The Village (2004). Não desgostei, as interpretações era boas, a atmosfera bem criada, mas o twist final já soava a mais do mesmo. Era demasiado igual a si mesmo e começava a cansar. Mesmo assim não desgostei do filme.

Em 2006 sai o Lady in the Water que eu fui ver com esperança que o Shyamalan finalmente se redimisse. Aquilo que descobri foi uma pérola de filme, com uma história muito gira, mas que no final de contas é pouco mais que um conto infantil, e tem de ser visto dessa forma para poder ser apreciado. Caso contrário o filme volta a ser mau.

Por isso quando comecei a ver o The Happening (2008) era sem saber o que esperar. Será que o Shyamalan ia voltar a fazer mais um The Village? Será que ia voltar a ser tão mau como o Signs? Será que por milagre conseguiria voltar aos tempos áureos do Sixth Sense?

Nada disto.

The Happening deve ser um dos filmes de terror mais originais que eu vi nos últimos tempos.
A premissa é simples: e se as plantas subitamente decidissem que não nos querem por cá, e libertassem toxinas para o ar para nos matar?
Como é que fugíamos? Onde é que nos protegíamos?

O filme toma essa premissa, e parte numa progressão lógica (?) de eventos a partir daí, seguindo um casal de sobreviventes à medida que estes se vão apercebendo do que se está a passar e nas estratégias que arranjam para sobreviver.

O que tornou este filme tão interessante para mim foi a ideia de que subitamente, ao ver o filme, dei por mim a olhar para as árvores e plantinhas como os agressores do filme, os elementos dos quais ter medo.
Quando, numa cena, aparecia uma planta, os meus sentidos de espectador de filme arrebitavam-se em antecipação. Como a música do Jaws antes do tubarão aparecer, a visão de uma planta num vaso era o suficiente para criar em mim a expectativa de que algo assustador ou violento ia acontecer.

E quando um realizador consegue fazer com que o seu filme cause este tipo de reacções perante algo tão inofensivo (?) como uma planta, então é porque está a fazer alguma coisa bem!

O que é óptimo, porque o resto do filme não é lá grande coisa. As interpretações são medianas a fracas (gostei do facto de o filme não ter heróis, nem ninguém se comportar como um herói, mas o Mark Whalberg não consegue transmitir a sensação de medo e desorientação que se quereriam da personagem principal), o argumento arrasta-se um bocado em muitas partes do filme, a música é o que se esperaria, para além de ter alguns clichés.

O fim é bom, apesar de não ser exactamente o que se esperaria (ou exactamente o que se esperaria, se o quiserem ver dessa forma).

De qualquer modo, não é um mau filme, mas há coisas melhores para ver.

Star Trek (2009)

2009-05-16T18:52:00.011+01:00

Fui ver este filme com muita curiosidade, mas sem grandes expectativas, apesar de duas fontes seguras me terem garantido que o filme era muito bom!

Em primeiro lugar porque eu sou mais fã de Star Wars do que de Star Trek (apesar de também gostar de star trek!) e em segundo lugar porque sabia que o filme era uma prequela a tudo.

Prequelas são muito difíceis de fazer bem, mais difíceis de fazer bem do que sequelas.
Porque ao passo que uma sequela parte de uma premissa estabelecida e só tem de construir a partir daí, uma prequela tem de não só re-estabelecer essa premissa, como encaixar em todas as premissas determinadas pelos filmes anteriores (que dentro da cronologia da história, são depois).

Ora, quem melhor para desenvencilhar e reconstruir a premissa de uma história tão envencilhada e construída como a do Star Trek, que o escritor e realizador por excelência de histórias envencilhadas: J.J. Abrams. (estava a falar do Lost, se não perceberam)

A história é muito boa.
Apresenta-nos todas as personagens de uma forma que faz sentido, é rápida e divertida, consegue cobrir todos os pormenores que queremos ver explorados, faz uma ligação perfeita com todos os outros filmes e ainda assim consegue estabelecer uma nova premissa para futuros filmes.
J.J. Abrams, juntamente com Roberto Orci e Alex Kurtzman contam a história muito engenhosamente e de uma forma muito esperta.

Não vos vou contar os pormenores da história, mas posso dizer-vos que começa mesmo mesmo no início antes de qualquer uma das personagens sequer entrar para a tripulação da Enterprise.

As personagens...

O casting está excelente, com todos os actores a terem semelhanças físicas com os actores da série original. Mais do que isso, conseguem encarnar essas personagens clássicas e dar a sensação de que estamos realmente a ver versões mais jovens dessas personagens. Isto passao muito pela escrita dessas personagens, mas também pelo trabalho dos actores, muitos dos quais contactaram directamente com os actores originais para receberem conselhos ou direcções sobre como interpretar as personagens.

Zoe Saldana, Anton Yelchin, e John Cho que interpretam, respectivamente, Uhura, Chekov e Sulu, são relativos desconhecidos, tendo entrado em outras séries ou filmes sem grande relevo.

Nota especial para Simon Pegg que interpreta Scotty, numa actuação que peca por ser tão pequena. Eu queria ver mais do Scotty.
Sim, ele diz "I'm givin' it all she's got, Captain!"...

Karl Urban faz de 'Bones' McCoy, e fá-lo muito bem.

Zachary Quinto (de quem eu nunca tinha ouvido falar) faz de Spock, e também o faz muito bem, conseguindo fazer transparecer o conflito interno de uma personagem ainda muito dividida entre duas espécies e ao mesmo tempo transmitir toda a força da personagem de Spock.

Temos um excelente vilão, interpretado por Eric Bana (quase irreconhecível) e a fazer uma excelente actuação.

De notar ainda Winona Ryder, num papel pequenino a fazer de mãe do Spock.

Chris Pine interpreta o Capitão James T. Kirk. Para o fazer, o Chris Pine relata que se inspirou noutras personagens como Maverick (do Top Gun), Han Solo (Star Wars) ou Indiana Jones (Star Wars) que ele considerava que tinham as características de Kirk, arrogância, decisividade e charme.
Chris Pine faz muito bem o seu papel, no entanto não consegue chegar aos pés deste senhor:

O filme está extremamente bem filmado, com planos do espaço e das naves absolutamente lindos e espantosos. Tem um ritmo que nunca desacelera, sem no entanto se tornar cansativo, tem uma quantidade supreendente de humor (à semelhança da série original, e ao contrário da maioria dos remakes que temos visto ultimamente).

A banda sonora está adequada, e no fim até temos uma adaptação do tema original, que soava tão deliciosamente ao tema do Love-Boat.

Em suma: se são fãs da série não se vão desiludir, se não são fâs da série ou não a conhecem, mas gostam de um bom filme de ficcção científica de acção, também não se vão desiludir!

Rachel Getting Married

2009-04-26T19:48:00.004+01:00

Vi este filme sem grandes expectativas.

Inicialmente pensava que era uma comédia romântica e pu-lo imediatamente de parte, mas depois várias pessoas disseram-me que não era bem assim, e por isso lá o vi.

É bom ver filmes sem expectativas.

Porque não estamos preparados, não temos preconceitos, não podemos levantar barreiras emocionais porque não sabemos o que lá vem. E acho que isso é preciso para ver este filme.

Muito basicamente, Kym (Anne Hathaway) passou os últimos 10 anos dentro e fora de reabilitação de toxicodependência, mas no dia do casamento da sua irmã Rachel ( Rosemarie DeWitt) regressa como enfant terrible que é, para revolver um pouco as coisas.

Desta premissa poder-se-ia esperar uma comédia, mas o filme é tudo menos uma comédia.

Mas também não é um filme de acção, nem um filme de aventuras, nem de ficção científica, nem de nada desse género. É um filme de personagens e de relações entre personagens. Por isso se não são capazes de tolerar um filme inteiro só com pessoas a falarem umas com as outras (às vezes a gritar e a chorar) este filme não é para vocês.

Para as 5 pessoas que ainda me estão a ler, e que têm alguma sensibilidade no que toca à condição humana e a filmes bons, deixem-me dizer-vos que este filme é uma bomba. É um murro no estômago emocional.

As relações entre Kym e o Pai (Bill Irwin), Kym e a Irmã Rachel, Kym e a sua Mãe (Debra Winger) são altamente carregadas, com multifacetadas e com vários níveis.

O filme consegue transmitir o impacto do regresso da irmã toxicodependente a um ambiente familiar que se esforça por a acolher, sem saber bem como, e como ela se tenta adaptar, sem saber bem como.
Mostra como a irmã "boa" que sempre foi posta de lado em detrimento dos problemas da irmã, se revolta por querer que o seu dia de casamento seja só para si.
Mostra um pai devastado pelo distanciamento dos filhos, que não sabe bem como lidar com isso.
Mostra uma mãe que se afastou pela morte do filho (eu falei em distanciamento, incluindo isto, mas não digo mais) e que já não se sabe relacionar com as filhas.
Mostra, sobretudo relações de amor deturpadas por anos de culpas e dores infligidas mais ou menos propositadamente.

É muito intenso.

Anne Hathaway tem uma interpretação fortíssima, extremamente credível, e que a distancia completamenta das comédias tolas que caracterizam a sua carreira até agora.

O realizador é Jonathan Demme, que realizou em 1991 The Silence of the Lambs mostra-nos este filme de uma forma intimista. A câmara alterna-se entre uma que segue as personagens por cima do ombro delas, que simplesmente as persegue pela casa, como se não houvesse grande guião a ser seguido, e as filmagens amadoras que os vários convivas fazem durante o casamento.
Tudo isto se conjuga para nos inserir dentro do filme, dentro daquela casa e daquela família, mas nunca como membro, apenas como observador externo.
Tornamo-nos voyeurs desta família disfuncional.

E há momentos, discussões, cenas que estão de tal maneira bem escritas, bem interpretadas e bem filmadas, que sentimos constrangimento por estarmos a ver coisas tão íntimas, como se não devêssemos ali estar, como se devêssemos sair e dar privacidade para que aquelas pessoas pudessem falar sobre a dor e raiva entre elas.

Um filme que passa despercebido entre os Óscares e os Blockbusters de verão.

Seven Pounds

2009-04-16T21:29:00.003+01:00

Seven Pounds é um filme normal.

É giro, está bem feito, tem poucos defeitos, mas não por aí além nada de especial.

Tem uma estrutura desconexa e só à medida que o filme progride é que nos aprecebemos das motivações e segredos da personagem principal. Nada de novo aqui

Essa, Ben Thomas (Will Smith) é um agente do IRS que sai do seu caminho para testar e ajudar estranhos, aparentemente por nenhuma causa explícita.

Obviamente que há uma explicação lógica para isto tudo, mas não vou estragar o filme.

O ponto forte do filme são as interpretações: Will Smith dá uma interpretação muito forte, muito intensa, capaz de mostrar muitas nuances.

Rosario Dawson é a outra estrela do filme, e está tão bem como sempre.

De notar ainda aparições de Barry Pepper e Woody Harrelson.

É giro, vale a pena ver, mas não fiquem à espera de nada transcendente.

Moon

2009-04-13T14:56:00.000+01:00

Isto parece bom...

The Curious Case of Benjamin Button

2009-04-11T17:06:00.003+01:00

Tenho de admitir que este filme me surpreendeu.

Para variar hoje começo com o trailer. Vejam-no, e já explico porque é que fiquei surpreendido.

Ou não o vejam, e vejam o filme sem saberem nada sobre ele, que é muito melhor.

Mas eu vi o trailer no cinema, e quando o vi pensei "Raios, está ali o filme todo!! Estão as cenas todas, o enredo todo! Já não preciso de ver o filme, basta-me o trailer!"

Porque realmente o filme é basicamente a personagem do Benjamin Button (Brad Pitt) que nasce velho e cresce rejuvenescendo. Ao mesmo tempo a personagem de Daisy (Cate Blanchett) envelhece normalmente, e eles só se conseguem realmente amar um ao outro quando as idades um do outro estão razoavelmente equivalentes.

E pronto... Parece que é só isto, não vale a pena ver o filme, porque está tudo no trailer.

Mas NÃO!!!!

O filme é muito bom, mesmo muito bom!

Porque realmente o filme é basicamente aquilo.

Mas está tão cheio de pormenores, sub-enredos, personagens secundárias riquíssimas, sequências cinematográficas que são autênticas pérolas, que o filme se torna muito muito mais do que parece ser no trailer.

Achei o filme invulgarmente satisfatório!!! Dá gosto ver o filme! Acaba-se o filme com a sensação de se ter comido uma boa refeição, muito completa.

Para além da coisa da personagem principal envelhecer rejuvenescendo, o filme tem um formato muito reminiscente do Forrest Gump (1994), na medida em que Benjamin vai saltando de aventura em aventura, de uma forma quase passiva, e absorvendo tudo o que se passa à volta dele, conhecendo várias pessoas e vivendo várias histórias. Também à semelhança de Forrest Gump há os desencontros com o interesse romântico (em Forrest Gump era a Jenny, aqui é a Daisy).

O fim do filme é razoavelmente surpreendente e previsível ao mesmo tempo, mas também profundamente satisfatório.

O que é surpreendente é que o filme tenha sido realizado por David Fincher, que já realizou filmes como Se7en (1995), Fight Club (1999) e Zodiac (2007), filmes, todos eles, física e emocionalmente violentos, coisa que The Curious Case Of Benjamin Button não é definitivamente.

A fotografia do filme é muito boa, e completamente adequada à história que conta. É exclusivamente composta de tons quentes, tendo o Director de Fotografia mesmo usado filtros para retirar todos os tons de verde ou azul às imagens.

A música é sublime, vagamente etérea e fantasista, composta por Alexandre Desplat.

Vale realmente a pena ver o filme!!!

Dr. Horrible's Sing-Along Blog - Take 2

2009-04-09T15:19:00.003+01:00

Há quase 1 ano (em Julho de 2008) fiz um post acerca de uma coisa que depois desapareceu e provavelmente ninguém viu. Entretanto os felizes utilizadores do Youtube deram-se ao trabalho de pôr a obra integral na internet.
Por isso volto a repetir o meu posto, com agora os vídeos daquilo a que me referia.

Take it away:

Não sei se já ouviram falar do nome Joss Whedon, mas é possível que sim. Escreveu episódios para a Buffy, escreveu a série de televisão Firefly, o filme que se lhe seguiu, Serenity, bem como a banda desenhada Astonishing X-Men.
Por isso se conhecem algumas destas coisas são capazes de apreciar a fixeza deste senhor.

O mais recente projecto dele é o Dr. Horrible's Sing-Along Blog.

É uma comédia musical acerca de um super-vilão de trazer por casa, e dos seus planos para tentar governar o mundo, derrotar a sua némesis e meter conversa com a rapariga simpática do laundromat da esquina.
É absolutamente alucinado e brilhante!!!

Para além disso, tem o fantástico Nathan Fillion, o Neil Patrick Harris e a Felicia Day. Todos eles actores de culto de várias séries e filmes.

Mas mais do que isso, é aquilo que este filme prova.

Este musical em 3 actos, foi escrito, produzido, realizado e montado durante a recente Greve dos Guionistas de Hollywood.
Joss Whedon fê-lo para provar que era possível criar um filme com muito pouco dinheiro, muitos poucos meios, fora do sistema dos estúdios, e ainda assim fazer um filme profissional, exibi-lo a um grande número de pessoas e, talvez, ainda ganhar dinheiro com ele.
Se estes objectivos forem cumpridos, então uma grande vitória contra o sistema dos estúdios será ganha, e o cinema independente terá ganho mais força!

Il Deserto Dei Tartari

2009-04-09T13:23:00.005+01:00

Il Deserto dei Tartari de 1976 é um filme realizado por Valerio Zurlini, uma produção francesa-italiana-alemã, baseada no romance homónimo de Dino Buzzati.

Tem um cast de estrelas, entre as quais Jacques Perrin, Philippe Noiret e Max Von Sydow.

Para começar, é um filme franco-italiano, dos anos 70, por isso é grande e chato, tal como a maioria dos filmes franco-italianos dos anos 70.

É extremamente lento, muito contemplativo, com pouquíssima acção e diálogos minimalistas.

Então porque é que este filme é bom (arriscar-me-ia a dizer muito bom) ou no mínimo, digno de nota?

Bem, a sinopse: O Tenente Drogo, recém formado pela escola de oficiais, é enviado por engano para o Forte de Bastiano, uma fortaleza numa das fronteiras mais remotas do Império, rodeada de deserto e montanhas. O objectivo desta fortaleza avançada é ser o primeiro bastião de resistência e alerta para quando o Inimigo do Norte vier.

Drogo chega ao Forte de Bastiano, e encontra uma colecção alargada de soldados e oficiais, todos eles altamente hierarquizados e militarizados, cuja função é, e sempre foi, esperar pelo Inimigo.

Os seus dias passam-se em exercícios militares, jantares entre outros oficiais, isolado de todo o mundo no forte de fronteira, à espera do Inimigo.
Todos eles à espera do dia em que o Inimigo decida atacar.

O filme é brilhante em vários aspectos.

Primeiro; na atmosfera que consegue criar. Filmado no Irão, a paisagem que rodeia o Forte Bastiano é desoladora e completamente inóspita, transmitindo verdadeiramente uma sensação de isolamento. Depois o próprio Forte Bastiano é um forte de tijolos, lama e terra, monocromático, com os interiores esquálidos e vazios, paredes vazias, corredores vazios, quartos minimamente mobilados, verdadeiramente opressivos. Para além disso, há referências constantes ao Inimigo que está à espreita e pode atacar a qualquer momento. É pervasiva durante o filme todo uma sensação de paranóia e antecipação, que passado algum tempo se torna completamente cansativa, e que contribui para a sensação geral do filme.

Segundo; as relações entre Drogo e os outros oficiais estão extremamente bem conseguidas, com diálogos minimalistas e representações fortíssimas que conseguem transmitir toda uma gama de emoções extremamente fortes (raiva, desespero, tristeza, frustração e até loucura) oprimidos pelo sistema militar imposto.

Terceiro; o filme é uma ode anti-militarista. Partindo da ideia brilhante de nunca identificar a que exército ou nacionalidade pertence a companhia de Drogo, ou sequer a nomear o país em que estão ou a nacionalidade do Inimigo, o filme deixa bem claro que esta é a unidade militar para representar todas as outras unidades militares, que este Forte Bastiano é todos os fortes do mundo. E depois mostra como estes oficiais e soldados passam a sua vida inteira (a história do filme desenrola-se durante várias dezenas de anos) em exercícios militares completamente inúteis, na espera interminável de um Inimigo que poderá vir. O filme consegue transmitir realmente a inutilidade militar.

Quarto: Drogo inicialmente quer sair do Forte Bastiano, arranja uma justificação médica, mas por não a conseguir entregar no momento oportuno, não consegue abandonar o Forte, e acaba por passar lá várias décadas da sua vida. É claro que Drogo não gosta do Forte, não gosta de estar lá à espera do Inimigo. No entanto depois de tantos anos, tanta vida sacrificada, tantos anos desperdiçados, a vinda do Inimigo é a única coisa que pode justificar a sua vida.
O ataque do Inimigo é a única coisa que pode salvar a vida de Drogo, é a única justificação possível para ele poder estar em paz com uma vida no Forte Bastiano. Por isso a partir de determinada altura Drogo já não quer sair do Forte Bastiano, e deseja ardentemente o ataque do Inimigo, pois essa é a sua única salvação.

É um filme opressivo, porque conseguimos sentir o desespero de Drogo em querer justificar a sua vida, em querer que ela não seja um completo desperdício, conseguimos sentir a importância do ataque do Inimigo.
O filme é muito pesado, e as interpretações, o cenário e a própria duração do filme contribuem excelentemente para isso.

Se conseguem tolerar 140 minutos de filme minimalista, é definitivamente um filme a ver.

O trailer é em italiano, e, como todos os trailers dos anos 70 (sobretudo os europeus) bem mauzinho. Para além disso está em italiano e sem legendas, mas é o melhor que se arranja, por isso não se queixem.

De fazer notar ainda, que a banda sonora do filme foi escrita pelo grande Ennio Morricone, e consegue ser absolutamente assombrante.

Milk

2009-04-07T15:15:00.004+01:00

Harvey Milk é um homossexual (gay, larilas, bicha, panilas, paneleiro, rabeta, panisgas, pandula, um empurra-cócós) que se mete na política para defender os direitos dos homossexuais e é assassinado no fim.

Basicamente o filme é isto.

Mas NãO!!!!!

O filme consegue ser tão, mas tão mais do que isto!!!!!!!!

Realizado como uma mistura de bio-pic e documentário (a inserção de fotos e excertos noticiários da época está extremamente bem feita, não parecem inserts e integram-se fluidamente com o resto do filme) Milk (realizado por Gus Van Sant, consegue ser muito mais do que um biopic político, ou do que um filme sobre direitos dos homossexuais.

Isso deve-se sobretudo à interpretação de Sean Penn da personagem principal, Harvey Milk. Sean Penn, definitivamente numa das interpretações da sua vida, consegue tornar encarnar a personagem de uma forma soberba, tornando-a absolutamente credível.
Não cai em exageros, não cai em maneirismos ridículos, nem por outro lado tenta esconder ou diminuir as atitudes mais femininas da sua personagem. Consegue um equilíbrio perfeito que mostra na realidade que um homossexual é só mais uma pessoa normal.

O filme retrata os últimos 8 anos da vida de Harvey Milk, desde que este chega a São Francisco e é eleito para a Câmara Municipal, segue as suas campanhas, as vitórias, as derrotas, os activismos, mas também as suas relações interpessoais, as suas relações amorosas, as suas maquinações políticas.

Tudo isto ajuda a criar uma personagem inescapavelmente humana, sem nada de teatral ou cinematográfico. Definitivamente uma das melhores interpretações que já vi.

O filme aborda não só o assunto dos direitos dos homossexuais, mas também as manipulações e jogos políticos inerentes a qualquer tipo de campanha e as vidas concretas das pessoas que são levadas nessa corrente.

As personagens secundárias são excelentes, e apesar de no final de conta cada uma delas ter pouco tempo de ecran, todas elas são memoráveis.

De notar James Franco, que também faz uma interpretação fantástica.

O filme é incrivelmente rápido, cheíssimo de informação, e com um ritmo alucinante (algo muito incomum a Gus Van Sant), conseguindo apesar do volume de acontecimentos manter-se dentro das duas horas de filme.

De notar também a personagem interpretada por Josh Brolin, outro membro da câmara municipal, que acaba por desenvolver uma estranha relação com Harvey Milk.

Finalmente o filme consegue captar o sentimento de revolução que se vivia em São Francisco nos anos 70. A fotografia, os adereços o figurino estão todos maravilhosamente conseguidos!

Finalmente, finalmente, ao contrário do que acontecia com Brokeback Mountain (2005) este é um excelente filme que tem muito mais de bom e especial e diferente, do que ser só sobre homossexualidade.

Ps: se quiserem procurem no youtube os vídeos originais da Anita Bryant. A mulher é assustadora.

I Said No!

2009-04-06T14:42:00.003+01:00

Doubt

2009-04-06T14:28:00.004+01:00

A história passa-se em 1964 no Bronx, numa escola católica. O Padre Flynn decide dar mais apoio ao primeiro e único aluno negro da escola. A Irmã Aloysius crê que o Padre Flynn inicia uma relação "imprópria" com o jovem Donald, e está disposta a tudo para o provar e para expulsar o Padre Flynn da paróquia, e para isso recruta a ajuda da Irmã James para estar atenta a qualquer coisa que se possa passar.

A partir desta, desenrola-se uma história de paranóia, perseguição, ambiguidades e intolerância.

O filme vive das suas personagens e interpretações.

Sem dúvida que Phillip Seymour Hoffman (Padre Flynn) e Meryl Streep (Irmã Aloysius) dão aqui interpretações que vão directamente para o Top 5 de interpretações de qualquer um deles! São eles que movem o filme e o tornam credível.

As duas personagens secundárias, interpretadas por Amy Adams (Irmã James) e Viola Davis (Senhora Miller, mãe de Donald) também fazem o seu papel brilhantemente, apesar de terem menos tempo de ecrãn.

A cinematografia é clássica, sem grandes gimmicks, mas com alguns planos de câmara para o fim que realmente ajudam a contribuir para a atmosfera de tensão e desconfiança.

A fotografia está perfeita, mostrando a escola católica como um lugar escuro, austero, húmido, e também contribui imenso para o ambiente do filme.

De fazer notar que o realizador do filme (John Patrick Shanley) é o mesmo que encenou a peça de teatro, e que isso definitivamente é um grande trunfo para o filme.

Slumdog Millionaire

2009-04-04T15:34:00.003+01:00

Slumdog Millionaire (2008) de Danny Boyle é o primeiro filme desde a Schindler's List (1993) de Steven Spielberg a ganhar os prémios de Melhor Filme, Melhor Realizador e Melhor Argumento nos Globos de Ouro, nos BAFTAs e nos Óscares!

Não sei se é assim tão bom quanto a Lista de Schindler, mas é mesmo muito muito bom!

Jamal (Dev Patel, como se isto vos dissesse alguma coisa) é um concorrente na versão Indiana do Quem Quer Ser Milionário e está a acertar em todas as perguntas. Todas.

É prontamente preso por estar a fazer batota, e a história do filme desenrola-se a partir daí.

Com um ritmo extremamente rápido que nunca larga o espectador (à semelhança de Trainspotting 1996) cada pergunta que a polícia obriga Jamal a justificar saber a resposta, abre-se um novo flashback para a sua infância ou adolescência, que explica como ele sabia a resposta à pergunta.

A história segue Jamal, o seu irmão Salim (Maddhur Mittal) e Latika (Freida Pinto), à medida que crescem nos bairros da lata indianos, violentos e brutais, sobretudo para as crianças, se envolvem nos submundos do crime e Jamal persegue o amor da sua vida, Latika.

A história vai alternando entre estes flashbacks e cada pergunta do concurso que o abre, até que as duas linhas temporais se encontram no presente, e a história toma um curso mais linear.

Estar a contar-vos pormenores seria estragar o filme, por isso não o vou fazer.

A fotografia do filme é fantástica, aproveitando ao máximo o espctro de cores e luminosidades extremamente alargado que um cenário como a índia permite.

A banda sonora é excelente, acompanhando a par e passo a pedalada do filme (e nem sequer falta a coreografia bollywoodesca no fim do filme, durante os créditos)

Não é a Lista de Schindler, mas que merece um porradão de prémios, merece!!!

Kill Bill

2009-04-03T17:40:00.001+01:00

Kill Bill, completo, num (1) minuto.

Me and You and Everyone We Know

2009-04-03T16:43:00.004+01:00

Me and You and Everyone We Know é um daqueles filmes que, sobretudo se for visto de surpresa, sem saber o que se está à espera, entranha-se em nós de uma forma incrível.

Deu-me a mesma sensação de intimismo optimista que filmes como Little Miss Sunshine, Juno e até Punch Drunk Love (de uma forma mais surreal) me deram.

É um filme que conta a história de várias personagens (o vendedor de sapatos recém divorciado, os seus dois filhos, uma artista solitária e os idosos a quem dá boleia, etc) e da forma como interagem umas com as outras.
Só que não o faz de uma forma épica ou climáctica, ou com grandes romances e riscos.
Mostra como estas relações humanas de amor ou fragilidade ou intimidade se processam não de uma forma cinematográfica, mas de uma forma dolorosamente humana, credível!
Não há grandes beijos, não há amores à primeira vista, não há vilões, não há heróis.

Todas as personagens são maravilhosamente defeituosas e humanas e credíveis.
É isso que torna o filme tão poderoso, a sua plausibilidade.

Há cenas e situações são são bizarras e surreais, mas isso não quer dizer que não façam sentido ou que não pudessem acontecer. E na maioria das situaçoes só lá estão para demonstrar ainda mais a fragilidade e desconforto que as personagens têm ao interagir umas com as, na sua procura de amor ou amizade, ou simplesmente de contacto humano.

O filme progride de uma forma extremamente calma, saltando sem esforço de personagem para personagem, contando alternadamente a história de cada uma e como elas se cruzam. E consegue fazer isto sem nunca causar confusão ou desligamento das personagens.

A banda sonora é suave e inobtrusiva.

Definitivamente uma pérola que corre o risco de se perder

))<>((

Australia

2009-03-28T22:04:00.006Z

Primeira coisa a dizer: ainda bem que não gastei dinheiro para ver este filme no cinema!!!

É tão mau, tão, tão, tão mau!!!

Só o vi porque me propus a ver todos os filmes que tinha perdido durante a época de exames. E mesmo assim custou. Tive de o ver em três ou quatro vezes porque me aborrecia a meio!

A história é do mais banal e comercial e estereotípico que há. A Senhora Rica (Nicole Kidman) tem de ir à Australia para salvar a quinta da família. Lá encontra o Herói Rude (Hugh Jackman) de quem não gosta inicialmente, mas inevitavelmente apaixona-se. Para salvar a quinta têm de lutar contra o Vilão Sem Escrúpulos (David Wenham) e adoptar a Criancinha Inocente (Brandon Walters).

E pronto, é só isto!

As interpretações não têm nada de especial para além de serem completamente estereotipadas e bidimensionais, mas isso a culpa não é dos actores é da história.

Há clichés a dar com um pau. Acho que estão todos neste filme, mesmo todos. Não escapa nenhum. Tem momentos tear-jerkers, tem momentos cómicos, tem cenas de perseguição porrada, tem cenas de romance! Tem tudo para agradar a toda a gente e para irritar todas as pessoas que levam o cinema a sério!

Não consigo dar mais ênfase a quão mau este filme é. É previsível, é aborrecido, é enfadonho. As personagens não são interessantes, a história não é cativante!!!

Eu até gostava do Baz Luhrmann! A sério que sim, gostei do Moulin Rouge (2001) e do Romeo + Juliet (1996). Mas este filme estraga tudo.

É épicamente mau, o filme.

Salvaguarda para as paisagens e cenários gerados por computador, que são, realmente muito bonitos.

Adam Ressurected

2009-03-25T21:37:00.004Z

Hoje fui ao cinema, já não ia há bastante tempo.
Mesmo numa sala, com cadeirões e escuridão e pipocas.
Já quase me tinha esquecido quão agradável é a experiência!

Anyway, o filme.

Adam Stein (Jeff Goldblum) era um cómico judeu na Alemanha Nazi, até que é levado para um campo de concentração onde é atormentado pelo comandante do campo, Klein (Willem Dafoe).
Muitos anos depois, reencontramo-lo num centro de recuperação para sobreviventes aos campos de concentração.
Adam, antigo artista de circo, usa as suas capacidades empáticas para ajudar os outros pacientes.

Pensem no filme como uma combinação entre a Schindler's List (1993), o One Flew Over a Cuckoo's Nest (1975) e Patch Adams (1998), mas sem ser nenhum dos três (nem ser tão bom como qualquer um dos três... bem, talvez melhor que o Patch Adams).

O filme é divertido e um pouco surreal, com a personagem de Adam Stein extremamente bem construída e interpretada por Goldblum. Consegue ter momentos de verdadeira intensidad.
As personagens secundárias e as relações que Stein estabelece com elas também são excelentes e extremamente interessantes.

Também gostei das alterações de fotografia nos flashbacks.

No fim é um filme sobre sobrevivência e (in)sanidade mental.

Gostei

(o trailer tem spoilers...)

The Reader

2009-03-22T14:17:00.004Z

Sinto-me como se tivesse levado um murro no estômago, mas emocional.

Imaginem o Sophie's Choice (1982) combinado com o The Shawshank Redemption (1994) mais o The Bridges of Madison County (1995) e terão uma ideia do peso emocional que este filme consegue ter.

Consegui fazer uma coisa com este filme que adoro fazer, mas que raramente consigo, que foi vê-lo sem expectativa nenhuma. Não tinha visto trailers, não tinha lido sinopses, tinha a vaga ideia de que tinha ganho um ou dois óscares, mas mais nada. Não sabia nada, por isso todo o filme e a sua progressão foi uma surpresa completa.

Apesar de eu querer muito proporcionar isso aos meus leitores, isto não seria uma crítica se eu não falasse do filme. Por isso se estão como eu estava antes de ver o filme (virgenzinho de qualquer informação) vão-se embora ver o filme e depois voltem. Prometo-vos que a experiência é muito melhor assim.

(are they gone yet?)

Pronto, para os que quiseram ficar a sinopse, muito muito abreviada é esta.

Na Alemanha em 1958 um rapaz, Michael Brenner, envolve-se aos 15 anos numa relação apaixonada e fulminante com Hannah Schmitz, que um dia desaparece misteriosamente, deixando o rapaz com o coração irremediavelmente partido.

Michael entra para advocacia, e nos seus últimos anos de formação, vai assistir a um julgamento de crimes de guerra, no qual estão a ser julgadas seis mulheres, ex-guardas das SS, que tinham deixado morrer num celeiro trancado, algumas centenas de mulheres e crianças, prisioneiras judias.
Uma das mulheres em julgamento é, para grande choque de Michael, que rapidamente a reconhece, Hannah.
Ao longo do julgamento Michael não pode intervir (é um mero aluno assistente ao julgamento) apesar de ter provas que diminuiriam a pena de Hannah.

Hannah é sentenciada a prisão perpétua e Michael segue com a sua vida, tentando refazê-la o melhor que pode, entre a descoberta da sua paixão adolescente e os crimes de guerra e prisão a que ela agora está submetida.

Hijinks ensue.

Eu tenho noção de quão pobre esta sinopse é, mas acreditem em mim, contar mais seria estragar tudo!!

O casting está perfeito!!!!!!!! Ralph Fiennes está soberbamente contido e sofrido no seu papel de Michael e Kate Winslet merece definitivamente o seu óscar de melhor actriz pela sua interpretação desgarrada, perdida e perdida entre a culpa e a inocência (?).

O filme é realizado por Stephen Daldry cujo único outro filme sonante é Billy Elliot (2000).

A história progride muito lentamente, muito compassadamente (eu não gostei da primeira metade do filme, porque não percebia para onde raio é que a história se estava a desenrolar) o que pode ser um detrimento para alguns espectadores, mas acreditem em mim, faz todo o sentido.
Tendo em conta o desenrolar da história e as consequências que surgem, o início lento, muito caracterizador das personagens é absolutamente essencial para que depois exista a carga emocional quando as vemos no desenrolar da história.

A fotografia do filme é excelente, alternando entre cores de verão vibrantes e cinzentos de prisão altamente secos e pobres.

Não me lembro da banda sonora, o que quer dizer que fez um bom trabalho!!!

Acaba por ser um filme que só não é convencional pela intensidade e natureza da história, que é invulgar nos tempos que correm.
Não há grande mistério a resolver, não há nenhum crime a desvendar, não há nenhum twist final.
É a história que é sobre estas duas personagens que têm uma relação entre si.

E é lindo.

(vou pôr o trailer, como de costume, mas aconselho-vos a que não o vejam. a sério vejam o filme sem saber nada sobre ele)

Gran Torino

2009-03-21T14:36:00.002Z

Clint Eastwood no seu melhor!

Ao princípio eu pensei, ok, mais uma história sobre racismo e redençao, depois pensei, não afinal vai ser sobre armas e o uso indiscriminado de armas na amérca, depois pensei que era um filme de vingança.

Mas não é nada disto...

É uma história, sobre um homem defeituoso numa américa defeituosa.
O filme mostra o racismo na américa, mostra a abundância de armas na américa, mostra a vingança e redenção de um homem. Mas não é especificamente sobre nada disto.

Não tenta enviar nenhuma mensagem, não tenta impingir nenhuma moral.

É a história de um homem amargo, que no fim da sua vida encontra nos seus vizinhos coreanos (ele tinha estado na guerra da Coreia) uma oportunidade invulgar de se voltar a encontrar e encontrar (não quero dizer paz, porque isso é demasiado cliché) mas uma espécie de serenidade e finalização para a sua vida, com a qual está satisfeito.

Porque é esse o grande risco do filme, ser considerado cliché, ou só uma repetição de qualquer um dos temas que já falei.
Mas não é.

Usa esses temas, esses "clichés", mas só porque eles são verdadeiros, e fazem parte do universo deste homem.

É uma história que só podia ser contada por Clint Eastwood e funcionar, tem tudo na medida certa, sem se tornar cómico ou lamechas ou violento.
É absolutamente credível.

World Builder

2009-03-11T03:10:00.001Z

Shining

2009-03-10T04:13:00.001Z

Isto é tão perturbador, de tantas maneiras diferentes:

Watchmen

2009-03-07T15:14:00.004Z

UUUUUUAAAAAAAUUUUUUU!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

UUUUAaaaaaUUUUU!!!!!!!!!!!!!!!

UAAAAAAAAAAAAA!!!!!!!! - ok já chega.

É mesmo bom, é mesmo mesmo mesmo mesmo muito bom!!!!

É TÃO bom que escrever esta crítica é quase um insulto a quão bom que é, porque nunca conseguirei realmente transmitir quão bom é.

..mas vou tentar na mesma.

Como sempre vou tentar não fazer comparações à BD original, uma vez que acredito que o filme (qualquer filme) se deve aguentar sozinho.

Baseado na obra homónima de Alan Moore (publicada entre 1986 e 1987) Watchmen de Zack Snyder, conta a história de um grupo de ex-heróis/vigilantes que foi proibido pelo governo americano, quando pressões populares e o aparecimento de um ser semi-divino (Dr.Manhattan) os torna obsoletos e altera radicalmente o rumo da história do planeta (Nixon é re-eleito várias vezes e a América ganha a guerra do Vietnam em 10 dias). Vários anos após a sua reforma forçada, e com o mundo cada vez mais próximo de uma guerra nuclear, alguém começa a matar selectivamente os ex-heróis, o que estimula um deles (Rorschach, que nunca tinha aceite a proibiçãoa tentar investigar o que se passa.

A história é incrivelmente complexa e profunda, e qualquer tentativa de a explicar só vos ia estragar a surpresa de ver o filme, por isso não digo mais nada a cerca da história, excepto que é profundamente satisfatória e extremamente bem escrita!

As personagens são todas elas fabulosas!
Profundas, intensas, sem nenhuma interpretação a falhar em nada.
Dan Dreiberg é o herói desiludido, Laurie Jupiter é a heroína relutante obrigada pela mãe a ser vigilante.
Jon Osterman é um físico que subitamente ganha os poderes de um deus e perde o seu contacto com a humanidade.
Só tenho pena que a personagem do Adrian Veidt não tenha sido completamente explorada (mas supostamente haverá uma edição em DVD/Blu-Ray com horas e horas de cenas cortadas), porque sente-se que há ali muito mais para ser visto.

Rorschach e o Comedian são as minhas duas personagens preferidas.
O primeiro é um vigilante psicopata que usa uma máscara com um padrão que muda constantemente e que é uma perversão das expressões faciais humanas normais. É talvez a personagem mais trágica do filme.
O Comedian é, por outro lado, a mais brutal e humana. Um vigilante violento e sem escrúpulos que, após a proibição governamental, é contratado pelo governo para continuar a trabalhar para eles.

Eu tenho noção de quão pobre esta crítica é, mas a sério, o filme tem de ser visto, estar para aqui a contar as coisas só as ia estragar.

Zack Snyder faz um excelente trabalho com a realização do filme, sendo que tem 3 horas, imensa imensa informação, uma carga emocional enormíssima, e no entanto o filme não se torna demasiado cansativo, e mantém-nos sempre sentados na borda da cadeira!
O uso de pequenos slow-motions para realçar determinados pormenores ou movimentos das personagens está extremamente bem aplicado, inserindo-se inconspicuamente no filme, ao contrário do que acontecia em 300 (2006)onde parecia mais um gimmick do que outra coisa.

A fotografia está linda. Todas as cores estão extremamente saturadas e sujas, e os contrastes são fortíssimos, dando ao filme simultâneamente uma sensação de realidade conspurcada e um ambiente surreal.

Finalmente a banda sonora é tudo menos o que se esperaria para um filme deste género.
Temos Leonard Cohen, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Paul Simon, Wagner, Mozart, que nos assaltam quando menos esperamos.

Um dos melhores filmes da minha vida (à semelhança do livro)

Watchmen Movie Trailer http://teaser-trailer.com
by movies-in-2010

Ps: quem vir este filme e não gostar, cheira mal dos pés...

Inglourious Basterds

2009-02-15T03:02:00.001Z

Finalmente, e graças aos Deuses do Cinema, o novo filme de Quentin Tarantino:

#15 - Tédio

2009-02-04T15:29:00.002Z

O novo número da Desumbiga já voa por aí. Se ainda não a viste em papel, desfolha-a virtualmente aqui. Se queres ler com mais detalhe, imprimir, sublinhar ou rasgar, faz download do .pdf aqui.

A Desumbiga é uma revista à frente do seu tempo e olha, sobranceiramente, para as revistas ditas "grandes". Olha, acima de tudo, com imenso tédio para elas.

Afro Samurai

2009-01-26T00:55:00.004Z

É verdade!!!!!!!

Ele voltou!!!!!!!!!

Após vários meses de longa espera e de míseros posts só com vídeos, o vosso infame crítico de cinema regressa com mais uma crítica!

(Ignorem o facto de estar a falar de mim mesmo na 3ª pessoa, mas passei os últimos quatro dias a lidar com estatística, e isso destrói a sanidade de qualquer pessoa)

Lembram-se de Ninja Scroll (1993)? Não? Então deviam ter vergonha de ter perdido um dos animes mais fixes e mais seminais de sempre!

E do Pulp Fiction (1994), lembram-se? Se não se lembram então vão-se embora, não merecem estar aqui! (elitismo puro e duro...)

Para as 7 pessoas que viram ambos os filmes, imaginem que subitamente um deles convidava o outro para jantar, as coisas corriam bem, iam para um quarto cheio de velas ou outra romantiquice qualquer, e 9 meses depois de uma cópula cinematográfica, nascia um filho de ambos!

Esse filho seria Afro Samurai (2007), e que bonito que ele é! ...

... se por "bonito" entenderem "absolutamente violento, sangrento, e tão absolutamente FIXE que as próprias leis da física ficam sobrecarregadas por terem de conter tamanha quantidade de fixeza", isto é!

Nenhuma hipérbole ridícula que eu possa fazer alguma vez vai chegar aos pés de quão fixe este filme é! O filme exuda fixeza por cada poro!

Porquê?

Porque mete samurais, ninjas, robots, cowboys, tecnologia futurística e um darth vader com cabeça de ursinho, tudo no mesmo filme.

Porque tem as vozes do Samuel L. Jackson e do Ron Perlman.

Porque é anime com alguma da melhor animação que eu tenho visto desde sempre (é uma mistura de Howl's Moving Castle (2004) com Hellsing Ultimate OVA Series (2006), sim, é ASSIM tão bom!)

A história é extremamente simples: existem dois samurais, o Samurai Nº1 e o Samurai nº 2. O Samurai Nº1 só pode ser desafiado pelo Samurai Nº2, e o Samurai Nº2 pode ser desafiado por qualquer pessoa.

O Pai de Afro Samurai (o nome da personagem principal) era o Samurai Nº1, até ter sido morto por Justice, que era o Samurai Nº2, e que se torna no Samurai Nº1.

Afro Samurai luta até se tornar no Samurai Nº2 para poder desafiar o Samurai Nº1 e poder vingar a morte do pai.

Até lá Afro Samurai é desafiado por toda a gente.

É uma história simples, sem pretensões, sem tentar ter nenhuma mensagem ou simbolismo ou significado profundo. E é o que basta para mover todo o filme.

Oh, é claro que vamos vendo flashbacks e elipses para contar a história de Afro e das pessoas que vai conhecendo, e ele ganha profundidade e os seus antagonistas ganham carisma e significado, mas tudo isso se torna secundário às animações de combates absolutamente espectaculares!

O filme está todo desenhado num estilo vagamente cartoon, exageradamente japonês, dentro do qual as feições africanas de Afro sobressaem lindamente.
Todos os ambientes estão sobretudo em tons de branco, preto e vermelho (sangue), e as ocasionais explosões de cor são lindas.

Finalmente tem uma banda sonora altamente minimalista, com tons electrónicos e de hip-hop, feita por The RZA.

Foi definitivamente um dos melhores filmes que tenho visto ultimamente, e tenho visto coisas muito boas!

Prometeus - The Media Revolution

2009-01-12T20:21:00.001Z

X-Men Origins: Wolverine

2008-12-27T22:20:00.001Z

Sempre fui um fã de X-Men, sobretudo do Wolverine (mas também quem é que não é? quero é ver fãs do Cyclops!) e por isso tenho grandes expectativas acerca deste filme:

I Love Sarah Jane

2008-12-06T02:02:00.001Z

100 movie spoilers em 5 minutos

2008-11-30T13:07:00.002Z

Se não se sentem seguros o suficiente na vossa cinefilia para admitirem a possibilidade de terem visto tantos e tantos filmes, que de certeza que estes 100 se incluiriam nos que já viram, não vejam este vídeo, porque eles de facto estragam o fim dos filmes.

Mas é giro na mesma

Pulp Muppets

2008-11-27T01:34:00.001Z

Pulp Muppet - Click here for this week’s top video clips

The Outbreak

2008-10-30T02:25:00.002Z

Quando era miúdo, era muito viciado naqueles livros do "Escolha a sua própria aventura", lembram-se?

O que é que podia ser melhor que isso?

A mesma coisa, mas em filme!

Com zombies!!!

http://www.survivetheoutbreak.com/

Max Payne

2008-10-27T23:50:00.007Z

Devo dizer que já vi este filme há para aí uma semana, mas que antes quis acabar os jogos de computador onde se baseia antes de escrever este texto.

Ora, eu sou um proponente acérrimo de que os filmes devem ser avaliados independentemente do material em que se basearam, mas ainda assim quis ter uma visão de conjunto de toda a obra.
Porque acho que é disso que se trata, neste caso.

Temos dois jogos: Max Payne (2001) e Max Payne 2: The Fall of Max Payne (2003), que é uma sequela directa do primeiro.
Depois temos o filme Max Payne (2008) que é uma re-imaginação do jogo para o cinema!

Os jogos já são extremamente cinematográficos de si, por isso não foi difícil transformá-los num filme. Apesar disso isso foi feito com bastantes falhas, mas não é isso que me proponho a analisar.

O filme Max Payne (2008), realizado por John Moore, é o filme Noir por excelência (não tanto como Sin City, mas esse é o supra-sumo do noir).

Não, Max Payne é o Noir policial.

A história é a clássica: um polícia honesto vê a sua família violentamente morta a tiro por bandidos e decide encontrá-los para se vingar deles.
Pelo caminho dá de caras com bons bandidos, maus bandidos, polícias corruptos, femmes fatales, grandes conspirações, é injustamente acusado, tem de fugir ele mesmo da polícia até encontrar os verdadeiros vilões, desmascarar a conspiração, vingar-se e limpar o seu bom nome.
E não me interpretem mal, não é por ser clássico que é mau. É exactamente por ser clássico que é bom! De um noir quer-se que seja clássico.

Em termos de história o filme tem, no entanto, algumas inovações que são boas e más ao mesmo tempo: insere alguns elementos de ficção científica e de mitologia.

Ah, quase me esquecia: há spoilers à frente! Ou seja, vou revelar alguns aspectos da história. No entanto, devido à maravilhosa tecnologia de inserir imagens dentro de blogs, vou meter estas informações entre duas imagens, assim podem simplesmente saltar e continuar a ler depois da segunda imagem!

Portanto: a história anda à volta de uma conspiração do governo para criar uma droga que aumente a eficácia de soldados em combate. Claro que a droga não funciona bem, torna os soldados demasiado violentos, mas alguém continua a produzi-la ilegalmente e a pô-la nas ruas.
Geralmente os filmes policiais noir a história é mais directa.
Outra coisa é que a droga se chama Valkyr, o que dá origem a toda uma panóplia de referências a mitologia nórdica, inclusive várias imagens de fantasia envolvendo valquírias. O que eu gostei acerca disto, é que as imagens de fantasia estão sempre inseridas nas alucinações geradas pela droga, e nunca é sequer sugerido que poderá de facto existir alguma influência mística na história.
Conseguem assim inserir uma imagética muito pouco comum, sem tornarem a história parva.
No entanto....

A história por vezes mete os pés pelas mãos, e acaba por ter alguns momentos algo ridículos, ideias que não são adequadamente exploradas, transições narrativas que parecem forçadas.
Estes aspectos são, infelizmente, detractores do filme.

As interpretações são razoáveis.
A verdade é que acho que podiam ser bem melhorzinhas... digo eu...
O Mark Whalberg, que faz de Max Payne, faz razoavelmente bem o seu papel, mas é pena não ter um ar mais duro e batido. Por vezes parece demasiado imberbe.
As personagens secundárias são feitas por relativos desconhecidos.
Temos o Beau Bridges, o Chris O'Donnel e a Olga Kurylenko (que é boa todos os dias).

Mas aquilo que faz um filme noir um filme noir é a fotografia. E neste filme está perfeita! (não tanto como Sin City,mas... já disse isto)
Os ambientes escuros, a luz extremamente contrastada e dessaturada, a chuva, a neve, as cenas permanentemente noctívagas.
Tudo lindo!
Só visto!

Portanto, no fim: Max Payne é essencial para quem gostou do jogo e tem uma mente aberta. Não tem uma história perfeita, mas há bem pior, e quem goste de fotografia e de filmes visualmente bem feitos tem de ver.

O trailer:

Ah, e há porrada de criar bicho!

Adams Aebler

2008-10-25T13:00:00.005+01:00

Eu vi este filme no Fantasporto de 2006, e fiquei imediatamente embevecido com ele!

É por causa de filmes como este que eu tento ir a festivais de cinema. Por entre os muitos filmes maus (sim, mesmo muitos) que se vêem em festivais, apanham-se algumas pérolas como esta, que de outra forma perderíamos irremediavelmente.

Adam Pederson (Ulrich Thomsen)é um neo-nazi que é sentenciado a fazer trabalho comunitário numa igreja rural.
Ivan Fjelsdted (Mads Mikkelsen) é o pároco o pároco da igreja que o vai receber.

Ivan explica a Adam que para este cumprir a sua sentença, tem de escolher uma tarefa e executá-la bem.
Adam escolhe, simplesmente, cozinhar uma tarte de maçã.

No entanto a atitude irreverente, niilista e violenta de Adam vai chocar com a devoção cega de Ivan.

Secundariamente existem uma data de personagens absolutamente deliciosas, como Gunnar, um ex-tenista alcoólico, Khalid, um paquistanês obcecado em assaltar bomas de gasolina da Statoil, e, a minha preferida, o médico.

Adams Aebler é um daqueles filmes subreptícios.
Começa muito calmamente, muito lentamente, a apresentar sem pressas as personagens. A premissa do filme é explicada logo no início (a tarefa que tem de ser executada) e vemos apenas aqui e ali alguns pormenores mais incongruentes, mais surreais, mas que são tão subtis, tão pequenos, que passam para segundo plano.
À medida que o filme avança, mais e mais destes pormenores se vão acumulando, e começam a ser menos subtis, menos segundo-plano.

O filme chega a extremos quase ridículos de exagero e surrealismo, mas como surgem aos poucos, lentamente, vamo-los aceitando sem grande luta. No fim estamos afundados num mundo de surrealismo situacional, numa autêntica luta entre Deus e o Diabo, entre o Bem e o Mal (se bem que por vezes seja difícil distinguir quem é quem) e não sabemos como é que fomos lá parar.

Contar qualquer tipo de pormenor seria estragar o filme (o trailer não ajuda), por isso vale mesmo a pena ser visto (não é um filme difícil de adquirir por meios absolutamente legais e que envolvam transacções de bens monetários!).

Adams Aebler é definitivamente uma pérola de filme, a não perder!

Ps: esqueci-me de o mencionar e agora não sei bem onde o meter, por isso vai aqui, Adams Aebler foi realizado por Anders Thomas Jensen

Tokyo Godfathers

2008-10-19T23:30:00.005+01:00

O Anime sofre ainda, acho eu, o estigma de ser "desenhos animados".

As pessoas pensam em animação e lembram-se imediatamente dos filmes infantis da Disney, ou, pior ainda (para reforçar o estigma) os filmes de animação japonesa com robots gigantes ou colegiais com super-poderes.

Na realidade, o cinema de animação é muito, muito mais que isso.

Já uma vez escrevi aqui uma crítica acerca de um filme de Anime chamado Porco Rosso, do fantástico Hayao Miyazaki. Mas esse era, admitidamente, um filme para crianças.

Tokyo Godfathers não tem esse intuito. Acaba por ser um filme cómico, mas poderia perfeitamente bem ter sido feito por actores normais.

O filme conta-nos a história de três sem-abrigos, um velho, um travesti, e uma rapariga fugida de casa, que na véspera de Natal encontram num contentor de lixo, um bébé abandonado.
Há medida que tentam encontrar os pais da criança, para os convencerem a ficar com ela, cada uma das três personagens vai acabar por resolver alguns dos seus problemas pessoais que os levaram a viver nas ruas.

É realizado por Satoshi Kon, que também já tinha feito o segmento Magnetic Rose, no filme Memories, e o Paprika sobre o qual eu já tinha escrito!

O que é preciso compreender acerca dos filmes japoneses, é quão europeus são.
Ou seja.
Os filmes europeus têm toda uma textura, um sabor diferente!
Em termos cinematográficos isto significa que no geral têm um ritmo, uma estética de câmara e histórias de foco diferentes, mais cuidados, mais sensíveis, mais ao pormenor.

Os filmes japoneses, no geral, aproximam-se mais dos filmes europeus e do que dos americanos, em termos de ritmo e de foco, mas retêm alguma da estética dos filmes americanos.

Isto significa que a história dos três sem abrigo a encontrarem um bébé, que nas mãos dos americanos se tornaria uma comédia de slapstick, que nas mãos dos europeus se tornaria um drama introspectivo, nas mãos dos japoneses se torna numa mistura agradável das duas coisas

O filme é surpreendentemente complexo, mais profundo do que à primeira vista se pudesse prever, cheio de violência emocional (sempre muito presente na animação japonesa) e com uma atenção aos pormenores extremamente sensível.

Visualmente o filme está excelente, com uma caracterização das personagens algo simples (mas não cartoonesca), e cenários e ambientes lindíssimos.

Vale realmente a pena ver, nem que não seja para destruir um pouco o estigma de que filmes de animação são "desenhos animados".
Não são.
Se forem bem feitos podem ser muito mais do que isso!

(ignorem a lamechice do trailer)

The Darjeeling Limited

2008-10-14T00:19:00.008+01:00

Portanto eu estou a escrever isto no fim do primeiro dia de aulas, mas não quero deixar passar demasiados dias entre ver o filme e escrever a crítica senão começo a esquecer-me de coisas...

De qualquer modo...

Doenças Inflamatórias do Intestino.

Não!

The Darjeeling Limited é o 7º filme de Wes Anderson, e o seu mais recente.

Está muito na linha de The Royal Tenenbaums e The Life Aquatic, com o mesmo ritmo, os mesmos planos de câmara, a mesma fotografia.

Desta feita segue a história de três irmãos que não se falam há um ano, e que se vêem juntos numa "viagem espiritual" pela índia, na qual vão tentar resolver as suas diferenças e chegar a conclusões sobre a sua própria vida.

Para quem viu os outros filmes de Wes Anderson é fácil perceber que isto é terreno fértil para vários diálogos e pormenores deliciosos que ficam melhor experienciados do que descritos.
Mas valem bem a pena.

As interpretações estão excelentes, como sempre nos filmes de Anderson, tendo exactamente o tom certo que o filme necessita.
Atenção especial para Adrien Brody (que não entra em filmes suficientes) e para Angelica Huston (que também não entra em filmes suficientes).

Este filme, no entanto, e em relação aos outros, não me pareceu tão bem estruturado, ou então não tão interessante.

Mas a verdade é que não segue exactamente a mesma estrutura do The Royal Tenenbaums, nem tem o mesmo foco do The Life Aquatic.

Fica à descoberta do espectador, mas vejam porque vale bem a pena!

Savage Grace

2008-10-11T22:27:00.004+01:00

Savage Grace chega-nos pela mão do desconhecido Tom Kalin.

Eu disse desconhecido porque nunca tinha ouvido falar de nenhum dos outros filmes dele, e por isso não vou dizer mais nada dele.

Savage Grace mostra-nos a vida da família Baekeland, herdeira da fortuna da indústria da bakelite.

Brooks Baekeland (interpretado por Stephen Dillane, neto de Leo Baekeland, inventor da bakelite) é frio, obscuro e misterioso.
Barbara Baekeland (Julianne Moore, casada com Brooks) é vivaz, brilhante e subtil. É descrita como sendo uma "artista do subentendido".
Tony Baekeland (Eddie Redmayne, o filho de ambos) é o filho de ambos.

Barbara e Brooks são predadores da selva da alta sociedade. Barbara sobretudo dança nos jogos sociais com violência e elegância.
Nada é o que parece, tudo é indirecto.
Barbara é instável e histriónica, Brooks é inteligente e frio.
Tony cresce neste meio.

O título do filme aplica-se-lhe que nem uma luva.

É, sobretudo, um filme de personagens. Vale por elas e pela sua caracterização.

Eu disse que o filme "mostra-nos a vida" e não "conta-nos a história" porque de facto é isto que acontece.

O filme não tem propriamente uma história. Não tem um enredo, um mistério que se desenvolva, que necessite de narrativa com princípio, meio e fim.
Mostra-nos apenas a vida destas pessoas, dando-nos acesso a episódios do seu dia-a-dia.
Durante a história raramente temos acesso ao mundo interior das personagens, sendo que tudo o que podemos perceber é apreendido indirectamente das suas acções, das suas reacções no dia-a-dia.

Gostei muito deste aspecto do filme. De parecer todo ele indirecto, subentendido, como a vida das personagens.

Contar o desenrolar dos acontecimentos seria estragar a história (claro que basta irem à wikipedia e fazerem um mínimo de pesquisa e ficam logo a perceber tudo) por isso digo-vos apenas que este foi um dos filmes mais emocionalmente violentos que vi em toda a minha vida.

Finalmente, a fotografia do filme é excelente.
Passando por vários locais, como Nova Iorque, Paris e Cadaqués, a luz muda várias vezes, e é sempre linda.

Um filme a não perder!

Burn After Reading

2008-10-04T23:25:00.006+01:00

Dá sempre gosto ver um filme dos Irmãos Coen.

Joel e Ethan Coen fazem filmes desde 1984, quando se estrearam com Blood Simple (que eu tenho a profunda vergonha de admitir que nunca vi, mas vou já iniciar o processo de o adquirir de uma forma legal).

Desde então não pararam, tendo realizado pérolas como Raising Arizona (1987), Fargo (de 1996, e que os catapultou definitivamente para a fama) e o recente No Country for Old Men (2007) que foi um dos melhores filmes que eu vi em toda a minha vida.

Em todos os filmes dos Coen, que eles mesmos escrevem, é pervasiva uma sensação atenuada de violência.

Seja essa violência física, emocional, humorística ou até mesmo só visual, ela está em todos os filmes dos Coen de uma forma ou de outra. É o estilo deles, é o seu tom.
É desconfortável ver os filmes dos Coen, há sempre algo que não faz todo o sentido, que nos perturba em níveis mais profundos do que aqueles a que temos acesso, de tal maneira que nunca conseguimos pôr o dedo em cima da ferida que o filme arranha.

Burn After Reading não foge a este estilo.

O filme acaba por funcionar como uma comédia, se bem que profundamente negra.

Osbourne Cox (John Malkovich) é um analista da CIA, que é despedido. Sentindo-se injustiçado pelo seu emprego, traído pela mulher (emocional e fisicamente) e descontente com a vida, decide escrever um livro de memórias.

Simultâneamente, a sua mulher Katie Cox (Tilda Swinton), está a traí-lo com Harry Pfarrer (George Clooney) e decide divorciar-se de Osbourne. Para poder sacar-lhe mais dinheiro do divórcio, pega em todos os documentos digitais do marido e leva-os ao seu advogado.

Simultâneamente Linda Litzke (Frances McDormand), uma pacata e pouco inteligente treinadora de um ginásio, decide que precisa de fazer cirurgias plásticas para poder subir na vida (nunca explica como).
Por coincidência, a secretária do advogado de divórcio de Katie, faz exercício no mesmo ginásio, e perde lá o CD com todos os documentos digitais de Osbourne.

Linda descobre lá as memórias de Osbourne, e confunde-as com verdadeira informação classificada da CIA, e recruta a ajuda de Chad Feldheimer (Brad Pitt), para a ajudar a chantagear Osbourne.

Tudo isto se desenrola para aí nos primeiro 45 minutos da história, e só fica mais complicado.

O mais doloroso é que percebemos à partida que nunca, nenhuma parte de todo este plano pode funcionar bem para nenhuma das personagens.

É imediatamente óbvio que vai tudo falhar para toda a gente. E é-nos dado a assistir o desenrolar tragicamente inevitável de toda esta comédia de enganos.

Todas as personagens são fabulosas nas suas mesquinhices, pequenas vilanias e estupidez. As interpretações estão maravilhosas ficando automaticamente nas melhores 5 interpretações de cada um dos actores que as interpretam (exceptuando, possivelmente, John Malkovitch, mas isso só porque ele tem trabalhos AINDA melhores).

Nota especial para Brad Pitt e George Clooney, que interpretam papéis muito diferentes daqueles que costumam interpretar.

A edição do filme está brilhante, bem como a cinematografia.
A história é muito complexa, e quase sem cenas de acção.
Seria extremamente fácil este filme tornar-se aborrecido e confuso, mas os Coen contam-no com mestria.

Uma verdadeira pérola a não perder!

Existencialismo

2008-10-02T14:25:00.003+01:00

"Não posso apagar-me. Não posso retirar-me para dentro de mim. Existo, fora de mim e em toda a parte do mundo; não há um palmo do meu caminho que não desemboque no caminho de outrem; não há nenhuma maneira de ser que me possa impedir de extravasar de mim a cada instante (...).
Renunciemos, continuemos. Decide. Decide já que estás aí. Tu estás aí e não há nenhuma forma de fugir. Até a minha morte me pertence só a mim."

O Sangue dos Outros

Simone de Beauvoir

A vida devia ser mais como um musical

2008-10-01T01:10:00.001+01:00

Um amigo meu sugeriu uma vez uma ideia que me assombra desde que entrou na minha cabeça.

A nossa vida devia ser mais como um musical.

Nas situações mais apropriadas, ou mais inesperadas, as pessoas deviam começar espontaneamente a cantar e a dançar acerca do que as preocupa ou faz feliz...

Unexpected Performance - The funniest bloopers are right here

Bioshock

2008-09-23T22:30:00.005+01:00

Vou hoje abrir um precedente algo estranho, e definitivamente uma novidade neste blog, e vou falar sobre jogos de computador.

Não sobre jogos de computador no geral, mas sobre um jogo em particular.

E o precedente algo estranho, é que vou falar deste jogo como se de um filme se tratasse.

Bioshock é um First-Person-Shooter, o que significa que o jogador vê o mundo pelos olhos do protagonista, experienciando as coisas na primeira pessoa.
Secundariamente a isto, o jogo consiste, muito muito basicamente, em andar pelos cenários a matar inimigos.
Quando pegamos em armas, vemos as nossas próprias mãos a segurá-las, quando fazemos pontaria alinhamos a mira com o nosso próprio olho, e quando os inimigos se atiram a nós, atiram-se mesmo à nossa cara.
Esta escolha de género proporciona um ambiente de jogo extremamente imersivo e pessoal mas, como já disse, o meu objectivo não é avaliar o jogo como um jogo, mas como se de um filme se tratasse.

Porque posso, porque o jogo é assim tão bom.

Em primeiro lugar a história.

No início do séc.XX, Andrew Ryan, um génio megalomaníaco, decide que está farto da sociedade e que não quer mais nada com ela.
Inicia então a construção de uma utopia submarina, Rapture, no fundo do Oceano Atlântico, onde os inventores, empreendedores e artistas pudessem dar largas à sua indústria sem estarem limitados pelas correntes da moralidade mesquinha.
Por todo o jogo vemos indícios destes ideais pervertidos de Andrew Ryan, à medida que vamos ouvindo spots de propaganda acerca dos "parasitas da sociedade" e de como a pena capital é um pequeno preço a pagar pela segurança de Rapture.

Em 1960, altura em que o jogo começa, Jack, a personagem principal (que encarnamos), sofre um acidente de avião sobre o atlântico, e dá consigo a flutuar em águas geladas, com os destroços em chamas do avião em que viajava, e com um estranho farol no meio do mar como única salvação possível.

Jack dá por si em Rapture, e descobre rapidamente que aquilo que era suposto ser uma utopia degenerou num mundo de violência e caos, e vê-se arrastado para a fase final de uma guerra entre a Resistência que tenta opôr-se aos últimos esforços de Andrew Ryan de manter o seu controlo ditatorial sobre a população de Rapture.

Com o progredir da história (e para aí nos primeiros 5 minutos, descansem que não estou a estragar nada) descobrimos que a principal razão da decadência de Rapture foi o uso de Adam, uma substância que permitiu aos seus cidadãos darem a si próprios poderes sobrenaturais com base em alterações genéticas temporárias.
Aparentemente o Adam, comercializado inicialmente por Frank Fontaine como arma económica contra Andrew Ryan, tinha efeitos secundários desagradáveis, como provocar psicoses alucinatórias e deformações físicas permanentes nos seus utilizadores mais assíduos.

Assim, quando Jack entra em Rapture, depara-se com uma cidade fantasma, populada por monstros, e as (verdadeiramente assustadoras) Little Sisters e os seus omnipresentes defensores, os Big Daddys, cujo significado e relevância só descobrimos muito mais tarde.

Faço notar que tudo isto é descoberto para aí nos primeiros 20 minutos de jogo, e que a história só fica mais complexa e profunda a partir daqui.
Recorrendo a gravações semi-aleatórias deixadas pelos habitantes de Rapture, vamos juntando as peças ao enorme quebra-cabeças que a história é. Desde pequenos pormenores da vida diária em Rapture, ao início dos problemas, aos ataques de terroristas e aos horrores subsequentes que surgiram, todo o tipo de informação relevante ou irrelevante para a história é descoberta.
Informação essa que dá uma profundidade e riqueza e imersão imensas no ambiente do jogo.
Deparamo-nos também com frequência com os relatos de algumas das personagens secundárias do jogo, e que foram instrumentais em toda a progressão da história. A caracterização destas personagens está extremamente bem feita, uma vez só temos sempre acesso aos seus relatos pessoais sobre as coisas que faziam e viam, e no entanto através desses relatos percebemos imensas coisas acerca das personagens e acabamos por adorá-las ou odiá-las.

Visualmente o jogo é absolutamente lindo.
As luzes, as sombras, as cores, os ambientes estão todos esplendorosamente bem feitos, com níveis de realismo incomparáveis.
Toda a arquitectura de Rapture é Art Deco, criando ambientes verdadeiramente surreais, com pormenores deliciosos.
Cada mesa está detalhada, cada arco está integrado. Se Rapture não fosse um jogo de computador, teria ganho prémios de arquitectura.

A luz e as sombras, os efeitos de fumo e neblina, os brilhos da água e do fogo estão exímios, transmitindo uma atmosfera extremamente imersiva e intensa, tornando-se ora opressiva ora libertadora.

Finalmente, o som está excelente.
Em primeiro lugar a interpretação vocal dos actores que dão voz às personagens está extremamente bem feita. Credível, intensa e dramática, algo que costuma falhar grandemente em muitos outros jogos e que contribui enormemente para a força da história.
A música é muito bonita, muito imersiva e não é de modo algum obtrusiva para o ambiente de jogo.
Pelo meio deparamo-nos com algumas músicas dos anos 50 que se enquadram perfeitamente no ambiente, e que funcionam maravilhosamente para nos integrar.

Também nos vamos deparando com publicidades sonoras, feitas ao bom velho estilo americano dos anos 50, em tons paternalistas e alegremente convincentes.

Em suma, Bioshock é um dos melhores jogos do género alguma vez feitos, a par de gigantes como Half-Life.